arte moderna

Conceito de Modernidade

2010-02-27T07:57:00.000-08:00

Maurice de Vlaminck, Tugboat on the Seine, Chatou, 1906, National Gallery of Art, Washington, Collection of Mr. and Mrs. John Hay Whitney 1998.

O surgimento da categoria modernidade como processo histórico-social, tem inicio no mundo ocidental a partir do século XVIII. A propagação das idéias iluministas, como o uso da razão e a emancipação do homem em relação às leis divinas, foram fatores representativos que ilustraram e caracteriza esse período. Não existe consenso entre os historiadores em relação à demarcação do inicio da modernidade, alguns afirmam que desde a expansão marítima, a Europa de certa forma, já estava dentro dela.
A ruptura para com os valores arcaicos, também é outra característica da modernidade, tudo aquilo que era tradicionalmente inquestionável, passa a ser plausível de discussão, ou seja, no começo da modernidade, a razão iluminista estava na moda.
Utilizamos muitas vezes a noção de modernidade associada à de progresso. As raízes dessa comparação, talvez esteja no fato de que os desenvolvimentos científicos, juntamente com a idéia de liberdade e igualdade entre os homens, emanciparam o homem europeu da submissão as leis naturais e divinas.
O conceito de "pessoa" nesse período, passa a ser substituído pelo de "individuo", teoricamente assim todos os homens passaram a ter os mesmos direitos jurídicos. Essa substituição foi essencial para a propagação dos valores liberais, que tinha como uma das missões, inserir no plano econômico, o livre comércio.
Mudanças bruscas aconteceram no ocidente durante a modernidade, principalmente nos planos culturais, artísticos, econômico, religioso, político. Talvez esse seja o fator que nos faz associá-la sempre a idéia de ruptura e de novidade.

Grupo:
Jean Pierre Pierote
Lívia Nunes
Carolina Soares
Angélica Queiroz

O Moderno

2010-02-27T07:54:00.001-08:00

Mário Chiattone. Construção para a Metrópolis Moderna.1914.

Muitas pessoas, quando iniciam seus estudos nas artes, tendem a confundir os significados das palavras moderno, modernidade e modernismo, visto que comumente não são passíveis de definições fixas, estando sempre sujeitas a modificações e alterações. Mas os significados destas nomenclaturas são realmente diferentes.

Moderno é o termo usado para indicar algo que é contemporâneo à época da produção. Empregado inicialmente na modernidade (Idade Moderna), esse termo foi muito utilizado para indicar o modernismo (a maneira modernista) e ultrapassou os limites de seu tempo, sendo ainda hoje bastante comum (na nossa contemporaneidade). Isso porque considera-se como moderno tudo que se oponha ao antigo.

A perspectiva moderna começou a se desenvolver quando o conhecimento e a arte se entrelaçaram com o conhecimento científico. Ou seja, algumas obras do período moderno e outras do período contemporâneo podem ser julgadas como modernas, pelo simples fato de simbolizarem o que é presente e atual (em relação ao tempo e ao espaço de sua produção). Da mesma forma é possível determinar algumas outras obras feitas nestes mesmos períodos como não-modernas, por serem retrógradas.

Como entendimento de moderno, tem-se a assimilação de trabalhos que contenham uma nova abordagem, com rompimento de padrões e regras artísticas. Isto é, o abandono de uma arte literal e acadêmica, rumo a novas visões, mais abstratas e menos figurativas. Assim sendo, pode-se resumir o moderno como a representação de “uma atitude específica para com o presente”.

BIBLIOGRAFIA:

ARGAN, Giulio Carlo. Arte Moderna. 10ª Edição. São Paulo: Companhia das Letras, 1992.
STANGOS, Nikos. Conceitos da Arte Moderna. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 2000.

GRUPO:
Ana Carolina A. de Castro
Cristiane Fernanda de Jesus
Eliane Apolinária Alves

Moderno, Modernidade e Arte Moderna

2010-02-27T07:50:00.000-08:00

James Ensor (1860-1949). A entrada de Cristo em Bruxelas, 1889. Óleo sobre tela, 250 X 434cm. Museu Real de Belas Artes, Antuérpia.

MODERNO

Francis Frascina no seu livro Modernidade e Modernismo, diz que poderemos empregar a palavra Moderna de forma bastante vaga para significar do presente, ou do que é atual. Neste sentido informal, ela se refere ao que é contemporâneo e é definida por sua diferenciação em relação ao passado.
Moderno não significa apenas o presente, mas representa uma atitude especifica para com o presente.
Aplicado a Arte, o termo Moderno pode designar um período da História, e pode ser usado para discriminar entre diversos tipos de arte produzidos neste período. Destacando em alguns pintores o direito de serem chamados modernos.
Segundo Baudelaire, o Moderno na Arte está relacionado a uma experiência que encontra sempre em transformação, que não permanece estático.
Termo reivindicado a partir do Renascimento, movimento intelectual e artístico originário na Itália no século XIV e difundido pela Europa nos séculos seguintes. Para os Iluministas, o Renascimento lançou as bases de uma nova civilização ocidental, buscando na herança greco-romana o modelo de homem, arte e sociedade, descartando-se os valores da sociedade medieval, cristã e agrária. Sociedade que não atendia as novas concepções presentes no espírito de criatividade, engenhosidade e aventura do homem moderno, desbravador de novos mundos pelos oceanos distantes, objetivando a Europa como centro irradiador dessas transformações em nome da razão e do progresso.

MODERNIDADE

Modernismo ou Modernidade, estado ou qualidade do que é Moderno.
O termo Moderno e Modernidade não são possíveis de definição fixa, são relativos e sujeitos a mudanças históricas. Isso se levarmos em conta as circunstâncias que, numa referida época significou ser Moderno.
Modernidade é definida como sendo um termo utilizado para articular um senso de diferenciação com relação ao passado, e descrever uma identidade peculiarmente moderna.
Baudelaire define-a como sendo o transitório, o fugidio, o contingente, a metade da arte, cuja outra metade é o eterno e o imutável.
No contexto da historia da Arte, o Modernismo, também assim designado, foi um conjunto de movimentos culturais que permearam as artes na primeira metade do século XX.
Tenta resgatar a pintura da condição de inferioridade e não atualidade em que se encontrava. Baseando na idéia de que as formas ditas tradicionais das artes plásticas tornaram-se ultrapassadas e que se fazia fundamental abandoná-las e criar nesse lugar uma nova concepção do que seria Arte.
A essência do pensamento modernista argumentava que novas realidades do século XX eram permanentes e iminentes, e que as pessoas deveriam se adaptar a suas visões do mundo a fim de aceitar que o que era novo era também, bom e belo.

ARTE MODERNA

A Arte Moderna nasce de uma ruptura de poéticas opostas e complementares da arte clássica e romântica, sugerindo ao artista de seguir a realidade, libertando as suas percepções de quaisquer preconceitos ou convencionalismo, para manifestá-la em sua plenitude de ação cognitiva.
A arte dita moderna aparece no circuito da historia da arte como uma contestação a arte acadêmica, dos salões oficiais, e de orientações realistas recusando os hábitos de ateliê, de dispor e iluminar os modelos, dando um total desinteresse pelo objeto e preferência pela paisagem e natureza morta.
A Arte Moderna, antes de tudo, elimina todas as influências de uma arte sobre outra.
O artista moderno defende a arte como sendo autônomo e despojado de elementos estranhos a eles, buscando uma lógica de representação e de uma funcionalidade puramente social da arte. Por conseguinte, desenvolvimento dos gêneros mais apropriados para a análise da realidade natural e social, recusando a retórica figurativa Barroca e da função comemorativa tradicional da figuração alegórica e histórico- religiosa.
Requer nesse sentido, uma autonomia e especialização profissional dos artistas.
A Arte Moderna é o marco de uma revolução artística - REALIDADE E CONSCIÊNCIA...

Érika Ramos
Licenciatura em Artes Visuais

Arte Moderna

2010-02-27T07:44:00.000-08:00

Henri Matisse.Alegria de viver,1905-1906.Óleo s/ tela. Barnes Foundation, Lincoln University, Merion, PA, USA.

Arte Moderna. Sob essa denominação podem ser considerados, de forma genérica, os variados movimentos artísticos que surgiram do início a metade do século XX, principalmente na Europa. Muitos não chegaram a se organizar enquanto escolas com manifestos e programas, mas outros apresentavam objetivos e teorias definidas previamente. Apesar da variedade de propostas plásticas e teóricas, o diálogo entre estes movimentos era inevitável seja na forma de confronto, ou enquanto influência estética. A grande proximidade com a literatura, cinema e outras manifestações artísticas aumentou a preocupação com os conceitos, as teorias e as idéias que condicionavam e predefiniam a natureza do próprio objeto de arte. O envolvimento político e social de muitos movimentos da arte moderna também refletia a necessidade de compreender as mudanças pelas quais o mundo estava vivendo, como as experiências da 1ª e da 2ª Guerra Mundial, a industrialização e urbanização das cidades, os avanços da técnica e da ciência, o progresso social e as revoluções populares. Esses temas fizeram-se presentes de forma mais direta em algumas vanguardas, enquanto em outras optou-se pela pesquisa da plasticidade e de novas formas de expressão.
A arte moderna acompanhou as mudanças inicialmente propostas pelo Impressionismo e a partir deste ponto assumiu uma posição crítica em relação às convenções artísticas acadêmicas, aos temas oficiais e à própria maneira de se representar a realidade. Entre as variadas linguagens que surgem sob a denominação de arte moderna existia um eixo comum que questionava a representação ilusionística da realidade ao tentar impor a tridimensionalidade ao plano da tela. Esta nova percepção inaugurou o espaço moderno na pintura e a pesquisa aprofundada das cores em seus tons puros, a fragmentação dos objetos e planos, a deformação das figuras e a abstração das formas. A experimentação passou a ser um método de trabalho tanto para as tendências mais "racionalistas" da arte moderna, quantos as "irracionalistas". Devido as especifidades da arte moderna e a multiplicidade de representantes, optamos por uma síntese de cada movimento com seus principais atuantes.

Fauvismo - grupo de artistas sob a liderança de Henri Matisse (1869-1954) que exploravam as possibilidades das cores em seus tons puros e fortes, sem sombreados, fazendo salientar os contrastes, com pinceladas diretas. A temática não é relevante, não tendo qualquer conotação social ou política. Teve presença marcante na França entre 1905 e 1907 e impacto nas tendências expressionistas.
Artistas: Henri Matisse (1869-1954); André Derain (1880-1954); Maurice de Vlaminck (1876-1958).

Expressionismo - tendência de arte que se desenvolveu na Alemanha, entre 1905 e 1914. Fazia oposição ao impressionismo francês e defendia a expressão que se manifestava do artista para realidade. Vários grupos apresentaram influências expressionistas, mas o mais conhecido foi o Die Brücke ('A Ponte'), criado em 1905 em Dresden. Este grupo definiu os procedimentos e fundamentos do expressionismo alemão. Após os anos 50 é nos Estados Unidos que se encontrará influência deste movimento com o expressionismo abstrato.
Artistas: Vincent van Gogh (1853-1890); Paul Gauguin (1848-1903); Edvard Munch (1863-1944); Georges Rouault (1871 – 1958); Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901).

Cubismo - movimento artístico que tem como marco inicial 1907 quando Pablo Picasso apresentou seu quadro Les Demoiselles d'Avignon, em Paris. O cubismo promove a recusa da arte como imitação da natureza e propõe novas formas geométricas para se visualizar a realidade tendo como objetivo fundamental capturar a estrutura dos objetos, a simplificação das formas, dissociando-as do real.
Este movimento dividiu-se em duas fases: cubismo analítico (1909-1912) com o foco na decomposição dos objetos e planos e no monocromatismo; e cubismo sintético (1912-1913) no qual elementos estranhos à pintura são incorporados às telas criando as colagens.
Artistas: Pablo Picasso (1881 - 1973); Georges Braque (1882 - 1963); Juan Gris (1887 - 1927).

Construtivismo - movimento de vanguarda com base na Rússia que trata a pintura e a escultura como construções, estabelecendo grandes conexões com a arquitetura em termos de materiais, procedimentos e objetivos. Diretamente influenciado pela revolução de 1917 na Rússia, o movimento discutiu profundamente o papel social da arte e sua produção concreta para sociedade.
Artistas: Vladimir Evgrafovic Tatlin (1885 - 1953); Alexander Rodchenko (1891 - 1956).

Surrealismo - o termo surrealismo, cunhado pelo poeta André Breton, apareceu no primeiro manifesto do grupo, em 1924, no qual defendiam a valoração do mundo dos sonhos, do irracional e do inconsciente para a produção das obras. Movimento amplo que envolveu literatos, cineastas e fotógrafos e que reforçava o imaginário, os impulsos ocultos e o caráter anti racionalista com base em leitura livre das teorias de Sigmund Freud.
Artistas: René Magritte; Joán Miró; Salvador Dalí; Alexander Calder; Hans Arp (1886-1966).

Dadaísmo - movimento artístico que não procurou estabelecer programas de ação nem estilos específicos. Tratava-se de uma crítica cultural mais ampla aos modelos e valores culturais e sociais anteriores. Suas manifestações eram pautadas pela desordem, escolhas aleatórias, choque e escândalo. Sua criação data de 1916 quando da criação do Cabaré Voltaire, em Zurique, espaço para as manifestações artísticas variadas. Ficou mundialmente conhecido pelos ready-made de Marcel Duchamp com os quais proferiu uma forte crítica ao sistema da arte.
Artistas: Francis Picabia (1879); Marcel Duchamp (1887-1968); Man Ray (1890-1976).

Suprematismo - movimento russo de arte abstrata, surgiu por volta de 1913 tendo como principal representante o pintor Malevich e o poeta Maiakóvski. Defendiam a pesquisa profunda da estrutura da imagem com o intuito de se alcançar a “forma absoluta” através de formas geométricas básicas associadas a uma pequena variação de cores. Em 1918, Malevich declara o fim do movimento por esgotamento do projeto inicial.
Artista: Kazimir Malevich (1878-1935).

Neoplasticismo - movimento associado às novas propostas plásticas de Mondrian e Doesburg apresentadas pela revista De Stijl (O Estilo) criada pelos dois artistas holandeses em 1917. Buscavam uma nova forma de expressão baseada em elementos mínimos como a reta, o retângulo e as cores primárias, além do preto, branco e cinza. A redução da plasticidade rejeitava os princípios da tridimensionalidade no espaço pictórico, as linhas curvas e as texturas. A revista e o movimento deixa de existir oficialmente em 1928.
Artistas: Piet Mondrian (1872-1944) e Theo van Doesburg (1883-1931).

Futurismo - surgiu como movimento literário a partir do manifesto escrito em 1909 pelo poeta Marinetti, mas logo recebeu adesão de artistas e outros intelectuais. De raiz fortemente italiana o futurismo colocava-se contra o passado burguês e tradicional, glorificando o mundo moderno, a ciência, a técnica, a velocidade, a máquina e os meios de comunicação como o cinema. De forte aspecto político esteve associado também ao fascismo e ao nacionalismo. A pesquisa do movimento e o dinamismo são elementos marcantes das obras deste grupo.
Artistas: Umberto Boccioni (1882 - 1916); Luigi Russolo (1885 - 1947).

Abstracionismo - movimento liderado por Wassily Kandinsky, surgiu em 1910 e defendia o uso de uma linguagem puramente abstrata, alcançando ritmo e dinamismo através da cor e das formas. Uma expressão artística tipicamente não-figurativa, sem a busca por uma representação da realidade como é vista.
Artista: Wassily Kandinsky (1866-1944).

Arte moderna no Brasil

A arte moderna no Brasil tem como marco simbólico a Semana de 1922, realizada em São Paulo. O evento foi organizado por intelectuais e artistas por ocasião do Centenário da Independência e declarava o rompimento com o tradicionalismo cultural na literatura, na música e nas artes plásticas. As discussões sobre uma renovação artística vinha de antes deste evento com exposições isoladas de artistas brasileiros, mas convencionou-se considerar o ano de 1922 como marco principal dessa emancipação artística. Entre os participantes da Semana de Arte Moderna estavam os artistas Anita Malfatti (1889 - 1964), Di Cavalcanti (1897 - 1976), John Graz (1891 - 1980), Vicente do Rego Monteiro (1899 - 1970), Victor Brecheret (1894 - 1955) entre outros.
Entretanto, apesar do contato direto de muitos artistas brasileiros com as vanguardas européias, nesse momento, não se tratava de inovações significativas para arte brasileira. Novas expressões artísticas surgiram, principalmente a partir de 1930, associadas a um interesse pelas temáticas nacionais e por nosso passado cultural e social. Os artistas influenciados pelas vanguardas e por esse momento cultural nas principais cidades do país estabelecem estilos próprios não se enquadrando especificamente em nenhum dos movimentos da arte moderna.

Referências bibliográficas

GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: LTC. p. 535-536.
STANGOS, Nikos (org.). Conceitos da arte moderna. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1995.
TASSINARI, Alberto. O espaço moderno. São Paulo: Cosac e Naify, 2001. p. 34-38.

Grupo:
Bárbara Lopes
Laiz Galvão
Renata Siquieroli
Tatianny Leão Coimbra

2009-11-15T12:06:00.000-08:00

BlogBlogs.Com.Br

Arte Moderna - Vanguardas Artísticas

2009-07-14T07:45:00.000-07:00

As enormes modificações que a tecnologia e a fabricação em massa, que se avolumaram com a crescente urbanização geral das sociedades durante o século 19, não podiam deixar de afetar as artes. O próprio movimento de secularização do estado e da sociedade, iniciado com a Revolução Francesa de 1789 e aprofundado com a Revolução de 1848, fez com que novos rumos temáticos e estéticos fossem buscados pelos artistas e pelos literatos. Primeiro os pintores e, em seguida, os escultores, sentiram-se profundamente afetados pela invenção da fotografia (1839), que logo passou a dominar os mais amplos campos da realidade: do retratismo à paisagem.

Salvador Dalí- Desnudo en un paisaje, 1922-1923

O trajeto da arte moderna no século XIX acompanha a curva definida pelo romantismo, realismo e impressionismo, o rompimento com o “passado” primeiramente surgiu com o Movimento Impressionista, numa época em que a fotografia se expandia, a arte já se mostrava defasada, redundante, os artistas saíram dos ateliês rumo às ruas, para retratar pessoas comuns em seu dia a dia nos parques, nos cafés, rompendo com os conceitos acadêmicos, tanto com a temática quanto com a forma, desta nova forma de se fazer arte que a arte moderna emergiu, levantando a idéia que persiste ate os dias de hoje, de que INOVAR é essencial, fazendo da aversão ao passado o seu preceito fundamental.

Wassily Kandinsky. Gorge improvisation, 1914. Óleo sobre tela.

O Modernismo se entendia como essa negação ao academicismo, buscando novas formas de se fazer arte, de se trabalhar com as cores, simetria, volume etc. distanciando assim cada vez mais da perfeição representativa da arte clássica. Dentro desse movimento modernista surge a Arte Moderna, o termo engloba os movimentos de vanguardas artísticas do inicio do século XX, futurismo, cubismo, expressionismo, suprematismo, construtivismo, dadaísmo, surrealismo, etc. até meados da década de 60.
A arte moderna se concentrava menos na realidade visual externa e mais na visão interna do artista, a arte do inicio do século XX não apenas decretou que qualquer tema era adequado, como também libertou a forma e a cor da obrigação de representarem com exatidão os objetos.

Fovismo

O primeiro movimento importante de vanguarda foi o fovismo mesmo durando apenas quatro anos. “O fovismo não é tudo, é apenas o começo de tudo” comentou Matisse, um dos mestres do fovismo. O movimento nunca se nomeou um movimento, embora os artistas como, Derain, Vlaminck, Rouault, Braque, Dufy trabalhassem juntos e tivesse Matisse como seu porta-voz. Os fovistas buscavam cores vibrantes, que expressassem os sentimentos diante das imagens, sem a obrigatoriedade de serem fiéis as cores reais.

Matisse, Harmony in Red- 1908

Matisse fora um dos principais artistas da arte moderna, libertando o uso das cores, ele dizia que a cor deveria expressar nossas próprias emoções, Matisse buscava reter apenas as qualidades essenciais do tema, em seus últimos anos fora tomado pela artrite, doença que o impossibilitou de continuar pintando, então ele se dedicava a recortar formas imaginarias em papel colorido para fazer enormes e alegres colagens, em suas colagens Matisse manteve o que mais valorizava em suas pinturas, as cores vivas e uma forma simplificada quase “minimalista”.

Maurice de Vlaminck, Tugboat on the Seine, Chatou, 1906

Vlaminck era um dos fovistas mais extremos, excessivo, exaltado e com uma tremenda vontade de revolucionar, era fortemente apaixonado e influenciado por Van Gogh, juntamente com Derain, passou a esguichar tinta do tubo diretamente na tela, formando grossas camadas que eram espalhadas com espátulas.
Derain foi uma figura importante no fovismo e um dos percussores do cubismo. Outros artistas fovistas Dufy e Rouault também usavam das cores fortes, porém o primeiro pintava imagens alegres, festas em jardins, corridas de cavalo, enquanto o segundo se diferenciava dos demais fovistas, por pintar imagens cheias de sofrimento e dor.

. Dufy.

Cubismo

Quase que paralelamente ao fovismo, surgiu um dos principais pontoxs da arte no século XX, o Cubismo, foi Matisse quem nomeou o movimento, ao ver uma paisagem de Georges Braque, Matisse afirmara que não passava de “cubinhos” e o nome pegou.

Picasso. Guitar, 1912 Picasso: Guitar, 1924

O Cubismo não era exatamente definido por cubinhos. Os artistas cubistas, Picasso, Braque, Gris e Léger, na verdade quebravam os objetos em pedaços. O cubismo se dividiu em duas fases,
O Cubismo Analítico; onde as formas dos objetos eram analisadas, partidas em fragmentos espalhados pela tela, e o Cubismo Sintético;onde Braque e Picasso inventaram uma nova forma de arte denominada “colagem”, eles incorporavam letras de estêncil e recortes de papel as pinturas.

Georges Braque. Garrafa, jornal, cachimbo e copo, 1913.

Juan Gris e Fernand Léger também contribuíram significativamente para o cubismo sintético.
Manifesto Cubista;
(artigo: éditations esthétiques/Sur la pinture) (Apollinaire, Picasso, Braque Cézanne,Cendras, Cocteau) 1913: decomposição da estrutura clássica, representação da realidade pelas estruturas geométricas, em busca da verdadeira beleza.

Pablo Picasso. As Meninas (1957).

Futurismo

Na década seguinte ao surgimento do cubismo, a Europa passava por extremas mudanças, a primeira guerra mundial, a revolução russa, e a tecnologia que se desenvolvia aceleradamente, neste contexto caótico os artistas buscavam novas formas de se expressarem diante dos fatos, surgindo movimentos como o futurismo e o construtivismo.
O Futurismo surgiu na Itália, inicialmente na literatura com Marinetti e logo invadiu o campo das artes, artistas como Umberto Boccioni, Giacoma Balla, Carlo Carrã, Luigi Russolo e Gino Severini buscavam reverenciar o novo, a revoloção tecnológica, as ferrovias, aviões, todo o movimento da vida contemporânea.

Balla. The Dynamism of a Dog on a Leash, 1912

Os futuristas se mostravam hostis com a arte clássica, Boccioni ,líder do futurismo, traduzia bem as crenças de Marinetti, que julgava um carro em movimento mais belo que qualquer obra renascentista, Boccioni se voltou para as eculturas, almejava reviver a arte das esculturas, dar um novo sentido a elas, a sua obra “ Formas Unicas de Continuidade no Espaço” mostrava toda a força e dinamismo da vida moderna,

Boccioni.Formas Únicas de Continuidade no Espaço- 1913

Aos 34 anos Boccioni sofreu um acidente de cavalo e faleceu, não tardou e o futurismo também teve seu fim.
Manifesto Futurista ;
(Marinetti, Maiakóvski) 1909: celebração do moderno quebra total com o passado (museus são antiquados, “urnas funerárias”) e com a mitologia. Culto à velocidade, ao avião, ao automóvel, ao movimento em geral.

Suprematismo

Outro pioneiro da arte abstrata foi Malevich, ele buscava liberar a arte do objeto, pintava quadrados flutuando sobre fundos brancos, e mais tarde, quadros branco sobre o branco, buscando simplificar tanto as cores como as formas ao estado mais puro.
Manifesto Suprematista;

(Kassimir Malevitch, Maiakóvski) 1915: deposita na emoção a primazia suprema sobre qualquer outra consideração artística, seja de experiência psíquica ou real. Acolhe a natureza como "emoção não-cognitiva", e afirma a radicalização do abstracionismo geométrico.

K. Malevitch. Non-objective composition, 1915. Óleo .

Construtivismo

A pintura que elege formas geométricas puras como conteúdo, encontra suas raízes no Suprematismo. O Suprematismo evolui, modifica-se e recebe o nome de Construtivismo. O escultor russo Naum Gabo (1890-1977) destacou-se no Construtivismo russo e na Arte Cinética.

Naum Gabo. Construction in Space with Crystalline Centre 1938-40, Perspex and celluloid (Sa).

Derivado do Suprematismo era um movimento que vangloriava a vida moderna era o Construtivismo, surgido na Rússia, tinha como características a arte geométrica que refletia a tecnologia moderna. Por volta de 1914, Tatlin inaugurou a arte geométrica russa. Chamando a de arte abstrata e “construtivismo”, pois propunha construir a arte, Tatlin usava matérias industrializados., como vidro, plástico , metal, em composições tridimensionais, além de Tatlin , o construtivismo teve outros artistas como: Ilya Chashnik, Alexandra Exter, Naum Gabo, El Lissitzky, Antoine Pevsner, Lyubov Popova, Aleksandr Rodchenko, Olga Rozanova, Varvara Stepanova, Aleksandr Vesnin.

O Construtivismo marcou o fim de uma era brilhante. Em 1925, o Comitê Central do Partido Comunista saiu contra a abstração; em 1932 todos os grupos culturais foram dispersos, e em 1934 um novo estilo de propaganda do realismo social se tornou a única abordagem artística oficial da União Soviética.
Neo-plasticismo

O Neoplasticismo é um dos movimentos construtivistas do início do séc. XX. Sua característica é a busca de objetividade, é o desejo de declarar-se anti-individualista, e pretender a universalidade e a permanência. O holandês Piet Mondrian foi considerado o pai do Neoplasticismo.
Sua obra, de rigorosa disciplina geométrica, baseia-se no dualismo horizontal-vertical, no ângulo reto, no uso das cores primárias e dos tons preto, branco e cinza. A herança cultural de Mondrian e sua formação artística, influenciada por Georges Braque e Pablo Picasso, são elementos que determinam a abstração geométrica desenvolvida por Mondrian no Neoplasticismo. Mondrian procura, pesquisa e consegue um equilíbrio composicional, despojado de todo excesso de cor, linha ou forma. Nada deve ser supérfluo em sua obra, que terá grande influência na arquitetura moderna.

Piet Mondrian. Composition RYB.

Dadaísmo

O Dadaísmo fora fundado em Zurique, território neutro, em 1916 por um grupo de refugiados da I Guerra Mundial. O movimento que durou 7 anos parecia muitas vezes sem sentido, mas tinha como objetivo protestar contra a guerra, onde as atrocidades eram tamanhas que cultivar o absurdo não seria um “absurdo”. O dadaísmo saiu de Zurique e se expandiu pela França, Alemanha e Estados Unidos, buscando denunciar as loucuras do mundo, escandalizando e subvertendo os valores.

Hans Arp: "Estojo de um Da", 1920 Kurt Schwitters: "Mz 26, 41. okola", 1926
Madeira policromada, 27,5 x 39 cm Colagem, 17,5 x 14 cm

Entre os Dadaístas como Hans Arp e Schwitters, Marcel Duchamp foi de fato o mais importante, e uma das figuras mais influentes da arte moderna, inspirando diversos movimentos seguintes ao dadaísmo, Para ele a concepção da obra valia mais que o resultado final, sendo a idéia parte principal desta. Duchamp inventou uma nova forma de arte chamada ReadyMade, que usava objetos prontos para a concepção da obra de arte, seja em composições ou como no caso de sua mais polemica obra, um urinol de porcelana com a assinatura R. Mutt. Duchamp introduziu a idéia de que se um objeto é tirado de seu meio, e é colocado diante do espectador, perde sua característica usual para ser “arte”, mudando o conceito do que de fato pode ser considerado como arte.

Marcel Duchamp. Fonte. 1917.

Manifesto Dadaísta;
(Tristan Tzara, Franz Jung, Marcel Duchamp, Picabia e Man Ray) 1919: "Dadá é o diluvio após o que tudo recomeça"; o que havia era a guerra, o nada. O artista devia produzir uma antiarte, uma antiliteratura.

Surrealismo

Manifesto Surrealista;
(Andre Breton, Louis Agarro, Aratu, Paul Enludra, Salvador Dali e Luís Buñuel) 1924: influencia da psicanálise de Freud. Ênfase nos sonhos, e nas hipnoses. Exploração do inconsciente, do sonho, do fantasioso.
Derivado do movimento dadaísta surge o surrealismo, que floresceu na Europa e Estados Unidos, nas décadas de 20 e 30.

Max Ernst. Celebes. 1921.

O movimento iniciou na literatura, promovido por André Breton, influenciado pelas teorias de análise de sonhos freudianas. Logo tanto poetas como pintores começaram a fazer experiências com o automatismo - uma maneira de criar sem controle consciente - para despertar o imaginário inconsciente. O surrealismo buscava ir além da realidade, chegando ao irracional, ao fantasioso, ao bizarro que não era entendido por meio da lógica.

Miró. Carnical of Arlequin, 1924.

O movimento se dividiu em duas vertentes, uma que seguia a arte improvisada, o automatismo, como no caso dos pintores Miró e Max Ernst e outra que usava de técnicas rigorosamente realistas para expressar cenas alucinatórias, como no caso de Salvador Dalí e René Magritte.
De fato todas as pinturas surrealistas desafiavam o senso comum, imagens de submundos psíquicos, fantasiosas, ininteligíveis que iam além da razão, promovendo uma atenção mental extra no expectador.

Expressionismo

Manifesto Expressionista ;
(Kassimir Edschmid, V.Kandinsky, Franc Marc, Egon Schiele, F. Murnau (cinema) 1917: arte resultante da expressão da vida interior, de imagens que se originam do fundo do ser. Artista instrumento da expressão, contra o positivismo e contra o naturalismo.

Edvard Munch. Cinzas (1894). Óleo sobre tela. 120 x 141 cm.

O expressionismo tinha como idéia a dissolução da forma convencional, o uso abstrato da cor, a emoção vigorosa, a psique do desconhecido, o uso dos símbolos e o enaltecimento da alma humana. O expressionismo tenta refletir um mundo interior de significado, logo o desespero e a neurose de um povo derrotado, transfigurado em uma idéia de reforma social.
O vocábulo Expressionismo é uma criação da estética alemã, vinculada a Revista Der Sturm (A Tempestade).

Paisagem de Van Gogh.

Os precursores deste movimento apareceram no século XIX, sendo Van Gogh, Ensor e Munch, mas o movimento acabou firmando-se com dois grupos, Die Brücke (A Ponte), de Dresden, em 1905 e o Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul), de Munique, em 1909.
o expressionismo foi um "movimento de muita dinamicidade, a ponto de, ao liberar energias de forma tão febril, criar uma impressão inicial de caos absoluto.
“O expressionismo nada mais é que uma prospecção de estados fronteiriços e posições extremas, que freqüentemente implicam crises de indecisão e gestos hiperbólicos dirigidos simultaneamente em direções contrárias", afirma Roger Cardinal.

Expressionismo alemão - “Der blaue reiter”

Desde o Impressionismo, a arte abandona a representação da natureza, como expressão fotográfica. Gradativamente, a forma vai perdendo o seu significado específico, de algo natural, descompromissado com a realidade física. Torna-se antinaturalista.A arte abstrata altera os valores formais da arte, passando do mundo concreto para o subjetivo.
O artista cria suas imagens. A natureza é uma fonte de idéias, mas o artista moderno tem nova percepção do mundo. Ele expressa uma realidade interior. O abstracionismo apresenta várias fases, desde a mais sensível até a intelectualidade máxima.
Esses artistas aprofundam-se em pesquisas cromáticas alcançando efeitos de perspectiva através das tonalidades e matizes obtidos. Querem e criam um Expressionismo abstrato, que transmite sensibilidade e emoção.
Em 1910 surge em Munique outro movimento de arte vanguardista, O Cavaleiro Azul (Der Blaue Reiter) fundado por Wassily Kandinsky.
O objetivo do grupo era o de unir sob um mesmo ideal artístico criadores de várias nacionalidades e diferentes expressões, ultrapassando as barreiras culturais e ideológicas. Estes artistas concebiam a sua atividade criativa como um produto da unidade existencial entre o homem e a natureza. A base das obras seriam as experiências pessoais, as sensações e os sentimentos subjetivos de cada um.

Wassily Kandinsky. View of Murnau, 1908. Oil on cardboard 33x44.5 cm.

A arte dos elementos de A Ponte caracterizou-se por uma linguagem plástica rude e agressiva na forma e nos conteúdos.Recorreram a uma linguagem visual direta e não convencional, transformando a realidade num código pictórico. Desse modo aproximaram-se de modos de representação arcaizantes e primitivos. As redescobertas, por parte de Kirchner, das técnicas da xilogravura e da gravura sobre metal, contribuíram para o endurecimento formal das figuras, através da acentuação e simplificação das linhas de contorno.

Ernst-Ludwig Kirchner. Auto-retrato. xilogravura.

Action Painting;

Assim é chamado o Expressionismo abstrato americano. No início dos anos 40, surge em Nova Iorque, um estilo original de pintar, é a “Action Painting” ou pintura de ação, criada por Jackson Pollock (1912-1956).
A pintura de ação revolucionou a arte americana ao tentar ignorar o automatismo psíquico da criação e tentar traduzir apenas o gesto ou ação de pintar. Sua pintura é linear, caligráfica, inspirada escrita japonesa, sua característica maior é o movimento, resultado de um gesto, derramando a tinta ou usando bisnagas, baldes, pincéis ou mãos sobre o suporte estendido no chão.

Jackson Pollock. Number 8. 1949.

Espontânea, livre e instintiva é a pintura de Pollock: é um espaço sem tempo, sem lugar. É o espaço polisensorial. Não há volumes. Há uma sucessão de rabiscos e manchas coloridas.

Modernismo no Brasil.
A primeira mostra de arte não acadêmica realizada no Brasil foi feita por um estrangeiro, Lasar Segall, em 1913, nas cidades de São Paulo e Campinas. Entretanto, suas exposições não causaram grande repercussão.

Lasar Segall. A Família

A exposição de Anita Malfatti parece ter sido o estopim para a reunião desses artistas ansiosos por mudanças. Em 1922, possivelmente através de uma sugestão de Di Cavalcanti, a Semana de Arte Moderna seria realizada, marco do Modernismo brasileiro. Reunindo diversas atividades como leituras de poemas, espetáculos de dança e exposição de artes plásticas o evento iria sacudir São Paulo dos anos 20.

Tarsila do Amaral. Abaporu

Buscava que a arte brasileira estivesse tão atualizada quanto a internacional, nada devendo àquela em qualidade e, ao mesmo tempo, conservasse as características nacionais., o evento foi bastante significativo por reunir artistas talentosos ansiosos por renovações.. A partir de 1924, começam a surgir as divisões do Movimento Modernista, principalmente a partir do pau- brasil (Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral, entre alguns membros) e do verde- amarelo (Menotti del Picchia e Plínio Salgado, como alguns dos representantes). A valorização do caráter nacional era importante para as duas correntes, entretanto o pau-brasil não abria mão da atualização da arte brasileira, tomando como parâmetro as produções internacionais, enquanto o verde-amarelo era mais apegado às tradições e cauteloso em relação aos movimentos vanguardistas estrangeiros. À década de 30 coube sedimentar e oficializar as conquistas modernistas. Movimentos artísticos europeus, principalmente o Expressionismo e o Cubismo inspiravam então artistas como Cândido Portinari, Guignard e Bruno Giorgi

Candido Portinari. Mulher e criança.

A temática social passaria ser grande fonte de inspiração para a geração Modernista dessa década e a técnica, que tinha assumido uma posição secundária durante os anos 20, volta a ser valorizada. O Modernismo até então, salvo alguns esforços de artistas isolados, permanecia restrito ao eixo Rio-São Paulo. Em 1944, uma exposição modernista em Minas Gerais, patrocinada pela prefeitura da capital do estado na gestão de Juscelino Kubitschek, marcaria o início do Modernismo nesse estado. 1944 também marca o início do Modernismo baiano, seguido pelo Paraná e Recife e Ceará. Enquanto a Europa procurava romper com o peso da arte passada e o abstracionismo era extremamente valorizado, no Brasil o Modernismo assumia mais a função de promover uma atualização da arte brasileira capaz de ajudar na consolidação da identidade nacional e não abria mão do figurativismo. A partir principalmente de meados da década de 40 e o pós-guerra uma arte não-figurativa começa a ser praticada e valorizada por artistas brasileiros. Em São Paulo surge o grupo Ruptura, liderado por Waldemar Cordeiro, mais ortodoxos e contrários à subjetividade. No Rio de Janeiro, em torno de Ivan Serpa, surge o Grupo Frente, menos homogêneo que o paulista e mais baseado na liberdade de criação.
A I Exposição Nacional de Arte Concreta intensifica as divergências entre os grupos das duas cidades. Surge então o neo-concretismo, originado principalmente a partir do grupo carioca, contrário à rigidez concretista dos paulistas e mais preocupado com a expressão. A experimentação passa a ser de extremo valor para os neo-concretos.

Lygia Clark.Plano em Superfícies Moduladas nº 2, 1956.Tinta industrial s/ celotex, madeira e nulac.90,1 x 75.

Destacam-se os neo-concretos Lygia Clark e Hélio Oiticica como artistas de grande contribuição para a discussão do papel da arte e do artista, permanecendo como importantes figuras de vanguarda nacional, mesmo após a dissolução do movimento.
Os anos 60 marcam o fim do Modernismo Brasileiro, sendo extremamente diversificada a produção artística no país nas décadas seguintes.

Bianca Thereza da Silva Borges - Artes Visuais – Licenciatura

Design Gráfico na Bauhaus

2009-07-12T09:17:00.000-07:00

Símbolo da Bauhaus.

1. Histórico

No mesmo ano em que a recém fundada República Alemã assinava o Tratado de Versalhes, assinado em Paris em 1919, o movimento modernista germânico dava um importante passo para a consagração internacionalmente. Naquela ocasião, em sintonia com uma época inaugurada por revoluções, golpes e tumultos de toda ordem que se estenderam pelos anos vinte, um reduzido grupo formado por profissionais das mais variadas atividades artísticas e técnicas, liderado pelo o arquiteto Walter Gropius lançou na cidade de Weimar, a “Atenas” da Alemanha, o Manifesto da Bauhaus, em abril de 1919.
A ação de vanguarda deles iria provoca uma alteração duradoura na história da arquitetura e das artes plásticas em geral. Começava então uma das mais importantes transformações do século 20: a aliança entre a estética e a tecnologia, entre o artista e a indústria.
Desde tempos imemoriais artistas e artesãos ocupavam espaços distintos no universo das artes em geral. Os primeiros sempre se viram como um espécie de aristocracia das belas artes, os favoritos das musas, enquanto os artesão, humildes, tinham como inspirador a Hefesto, o deus corcunda da forja que, infeliz, malhava o ferro incandescente na bigorna numa oficina nos subterrâneos da Terra, suando por todos os poros em meio às labaredas e às ferramentas ardentes.
Um dos primeiros propósitos da fundação da Bauhaus, em abril de 1919, foi a superação desse estigma histórico-corporativo pela educação do artista-artesão, alguém tão hábil com as mãos como enfronhado na concepção mais elevada da arte, um ser capaz de conceber um objeto qualquer, esteticamente relevante, e, ao mesmo tempo, hábil em executá-lo em conjunto com os demais colegas da construção.
Para levar tal concepção à prática, Walter Gropius, então jovem arquiteto promissor, transferindo-se de Berlim para Weimar, determinou a junção das duas escolas que lá existiam: a Escola de Artes e Ofícios e a Escola de Belas Artes: que vieram a formar a célebre Staatliches Bauhaus, ou simplesmente Escola da Bauhaus, instalada no edifício de Van der Velde.

Bauhaus de Weimar.

2. As Oficinas

Após o “Vorkurs”, o Curso Preliminar obrigatório, os alunos seguiam uma formação de artesãos nas oficinas da escola. Seguindo a concepção de unir a formação artística à formação prática, os trabalhos nas oficinas da Bauhaus, nos primeiros anos da escola, eram coordenados conjuntamente por um “Formmeister” (“mestre da forma”) e por um mestre artesão. A direção artística das oficinas era atribuída aos Formmeister assistidos pelos mestres artesãos.
Em 1919, os mestres foram artistas como Johannes Itten, Lyonel Feininger e Gerhard Marcks; em 1920, Georg Muche; em 1921, Paul Klee, Oskar Schlemmer; em 1922, Wassily Kandinsky.
As oficinas que a Bauhaus oferecia a seus alunos eram de tecelagem ( técnicas texteis), de metal (criação de objetos), de teatro e ballet, de carpintaria / marcenaria, de escultura e de tipografia e publicidade.
A denominação de oficina de publicidade a substituir o de tipografia já tinha sido utilizada sob a direção de Gropius, desde 1927. Com Meyer, associa-se a este atelier o Departamento de Fotografia e o objetivo básico era o de aumentarem os lucros da escola — através da publicidade dos trabalhos produzidos nas oficinas e das exposições.
Nesta oficina, as actividades vão centralizar-se essencialmente em exposições:
- Stand da Bauhaus na exposição da Werkbund
- Exposição Apartamento Popular da Bauhaus, Dessau.

Oficina de tecelagem.

3. Artistas e Professores

3.1 Wassily Kandinsky

Kandinky foi um artista russo, professor da Bauhaus e introdutor da abstração nas artes visuais.
Apesar da origem russa, adquiriu a nacionalidade francesa. Nascido em Moscou, passou grande parte da infância em Odessa. De volta à capital russa, estudou Direito e Economia na Universidade de Moscou, chegando a diplomar-se em Direito aos 26 anos, mas desistiu destas carreiras.
Casou-se em 1892 com a sua prima Anja Tchimikian, que acompanhou Kandinsky em 1896 quando este se mudou para Munique, iniciando os seus estudos em pintura na escola de Anton Ažbè. O estilo da escola de Ažbè desiludiu Kandinsky, que preferia pintar paisagens coloridas ao ar livre.
Após dois anos, Kandinsky tenta inscrever-se, sem sucesso, num curso ministrado por Franz von Stuck. Um ano depois Kandinsky ingressou finalmente no curso, que frequentou até 1900.

Wassily Kandinsky.

3.2 Johannes Itten

Itten foi pintor, docente e ensaista místico, associado à primeira fase da Bauhaus. Itten foi, ao lado de Gropius, a figura mais marcante da primeira fase.
Itten instituiu o Vorkurs, o ensino preliminar, no qual os alunos aprendiam de maneira totalmente nova, princípios e as técnicas mais elementares.
Em 1923 deixou a Escola por não concordar com a orientação que visava a cooperação com a Indústria, proposta por Gropius.
As suas aulas na Bauhaus eram iniciadas com exercícios de ginástica e respiratórios — segundo ele, isso descontraia e relaxava os estudantes, antes de iniciar a “direcção e ordem fluentes.”
Itten nasceu em 1888 em Suderen-Linden, na Suíça, foi professor de escola primária, e teve formação de pintor com Adolf Hoelzel, cujas didáticas de arte e teoria de composição influenciaram o seu trabalho.
Leccionou arte perto de Berna, transferindo–se para Viena para dirigir uma escola de arte. Nesta época foi apresentado a Gropius que o convidou para dar uma palestra sobre os Ensinamentos dos Mestres Antigos na Sessão inaugural da Bauhaus em 21 de Março de 1919, no Teatro Nacional de Weimar.
Em Outubro do mesmo ano, teve cadeira como docente da Bauhaus até Março de 1923 ,quando pediu demissão.

Johannes Itten.

3.3 Paul Klee

Quando assumiu suas atividades como professor na Bauhaus em Weimar, em Janeiro de 1921, o suíço Paul Klee já era um renomado pintor de vanguarda.
A escola pretendia, segundo a concepção do seu fundador Walter Gropius, formar uma geração de artistas-artesãos. No manifesto da Bauhaus, Gropius, que era um moderado simpatizante das idéias socialistas, escreveu que a escola iria “estabelecer uma corporação de artesãos sem a presunçosa divisão de classes, que tenta erigir um muro separando artesãos e artistas.”
Klee iniciou lecionando na oficina de tipografia. Depois, assumiu a chefia da oficina de vidro.
A sua atividade como professor na Bauhaus obrigou-o a desenvolver e formular claramente as suas idéias sobre aspectos teóricos da pintura e da arte.
Klee era um professor muito dedicado. Ele preparava suas aulas meticulosamente, até nos mínimos detalhes, como nenhum outro artista na Bauhaus fazia. A reação dos estudantes em relação ao professor Klee era muito variada.
As suas aulas constituíam um desafio intelectual de alto nível. Alguns dos seus alunos não se adaptavam ao seu modo. Muitos outros, entretanto, tiveram experiências valiosíssimas com Klee e aprenderam muito com ele.

Paul Klee.

3.4 Mies Van der Rohe

Nascido em Aachen, em 1886, foi o próprio Mies van der Rohe quem nos dá a chave para a compreensão de sua arquitetura ao comentar, num artigo publicado em 1961, a influência que as construções da sua cidade natal exerceu em sua obra.
Ludwig Mies (o sobrenome da mãe, van der Rohe, foi incluído por Mies mais tarde) freqüentou a escola da catedral católica construída por Carlos Magno e ajudou o pai na firma de cantaria que possuía. Passando sua infância e adolescência entre lápides e igrejas medievais, sua formação não foi acadêmica, mas de natureza prática e religiosa.

3.4 Mies Van der Rohe. Pavilhão alemão.

3.5 Marcel Breuer

Marcel Lajos Breuer foi um designer e arquitecto de origem húngara. Fez parte da primeira geração de alunos formados pela Bauhaus.
É de destacada importância o seu design de mobiliário. Os seus móveis de tubo de metal contribuíram para revolucionar o conceito do móvel.
Formou-se na primeira sede da Bauhaus (em Weimar) em 1924 e passou a lecionar nesta escola até 1928 (quando esta já estava instalada em Dessau).
Sua relação com a instituição era bastante estreita, o que acabou lhe rendendo a diretoria da instituição após a saída de Mies van der Rohe.
Enquanto docente da Bauhaus, realizou uma série de experimentações no design mobiliário. Foi aí que projetou e executou os primeiros protótipos da cadeira Wassily (cujo nome é uma homenagem ao colega Wassily Kandinsky).

Marcel Lajos Breuer.

3.6 Oskar Schlemmer
Pintor, começou a dar aulas na Bauhaus em 1920 como diretor da oficina de escultura, envolvendo-se também com a oficina de metal temporariamente; depois, assume a direção de arte teatral.

Oskar Schlemmer - Figura do Balet triádico.

4. Tipógrafos
Os mestres e tipógrafos da Bauhaus foram:

4.1 Jan Tschichold (1902-1974)
Nascido em Leipzig, Jan Tschichold praticou pintura de letras e caligrafia desde muito jovem. Tinha material suficiente e de primeira escolha; Leipzig, em Sachsen (Saxônia), era um dos grandes centros da tipografia alemã. (Ainda hoje se realiza aí uma importante feira do livro, a Leipziger Buchmesse).
O seu desejo era seguir Belas Artes e ser pintor-artista, mas os seus pais não apoiavam a perspectiva e orientaram Jan para um ofício mais seguro, tentando persuadi-lo a enveredar por uma carreira de professor de desenho.
Mas o jovem Jan Tschichold foi-se introduzindo no mundo da caligrafia e na arte de fazer livros. O seu livro de cabeceira era “Writing, Iluminating and Lettering”, obra do calígrafo e tipógrafo britânico Edward Johnston.
Passava longas horas no Museu da Imprensa de Leipzig, absorvendo avidamente todo o patrimônio histórico arquivado nesse edifício.
Em breve, Jan era perito em Buchgestaltung clássica. Mas, longe de ser um “rato de museu”, Jan orientava-se para a atualidade; a visita da Bugra (Feira do Livro e das Artes Gráficas de Leipzig) em 1914 foi uma das experiências que o moldaram – com a idade de 12 anos.
Os seus conhecimentos de francês e latim, adquiridos em Grimma, e a sua cultura humanista, serviram-lhe para se introduzir na tipografia clássica.
Passou pela Escola de Artes e Ofícios de Dresden, para logo regressar a Leipzig.
Dedicava inúmeras horas ao estudo dos livros da Biblioteca da Federação de Impressores de Leipzig, onde aprofundou o seu saber sobre tipografia clássica, especialmente Fournier, e começou a colecionar livros antigos.
Em 1921, com 19 anos, o diretor da Academia de Belas Artes de Leipzig, Walter Tiemann, propõe-lhe começar a dar classes de caligrafia neste estabelecimento.
Entre 1921 e 1925 desenhou cartazes caligráficos para várias das feiras comerciais que tinham lugar em Leipzig. Alguns dos seus trabalhos para a editora Insel Verlag foram selecionados para uma exposição internacional de caligrafia em Viena, em 1926 – evento em que se mostraram obras dos consagrados Eric Gill, Edward Johnston e Alfred Fairbank.
O seu interesse pelo desenho de tipos levou-o a fazer alguns esboços de letras para a empresa Poeschel und Trepte. A carreira profissional de Jan começara, mas o que despoletou o seu violento interesse pela tipografia de vanguarda – a “neue typographie” – foi a visita à exposição da Escola Estatal Bauhaus em Agosto de 1923.
Conheceu assim a primeira exposição da Bauhaus em Weimar e o soberbo catálogo que para o evento desenhou Herbert Bayer.

Cartaz de Jan Tschichold
"Plakate der Avantgarde. Ausstellung der Sammlung Jan Tschichold", 1930

Weimar foi o primeiro sítio onde J.T. teve a oportunidade de admirar arte moderna – e ver a tipografia tratada como meio de comunicação. Vivamente impressionado pela ruptura que os movimentos de vanguarda articulavam, deixou-se contagiar pelas mensagens vitais do movimento holandês De Stijl, do Suprematismo e do Construtivismo Russo.
A viragem radical operada na sua concepção tipográfica ficou em evidência num cartaz para a editora de Varsóvia Philobiblon, onde aplicou as idéias formais do Modernismo, como a composição assimétrica e os eixos inclinados.
Jan Tschichold começou a afastar- se da tipografia tradicional que havia estudado em Leipzig.
Em Munique, fez cartazes para o cinema Phoebus Palace, usando tipografia audaz, fotografias e cores planas, influenciado por El Lissitzky, Moholy-Nagy e Man Ray.

Cartaz de cinema de Jan Tschichold
"Die Frau ohne Namen. Zweiter Teil", 1927

Em 1928, J.T. revela as suas qualidades de comunicador publicando a sua famosa obra die neue typographie. Já em 1926, por recomendação de Paul Renner, Tschichold tinha ido para Munique ensinar na Escola dos Mestres de Artes Gráficas, onde deu aulas até ser expulso pelos nazistas em 1933.
“Tschichold, que nunca deu aulas na Bauhaus, foi o que melhor materializou as ideias da Bauhaus”, afirmou com razão Albert Kapr, mestre-tipógrafo da velha escola alemã. Leia o seu famoso artigo sobre a “elementare typographie”.
Para Tschichold, o importante da nova tipografia era adaptar-se à necessidade principal dos leitores: menos tempo disponível para absorver as informações.
Assim, professa a favor de uma tipografia em conformidade com o tempo em que vive, cujas características principais colocariam a mensagem numa situação de mínimo ruído, através da economia e precisão de elementos.

A maior parte dos impressos anteriores à nova tipografia trazia uma paginação centralizada, bordas decorativas e uma eclética mistura de diversos tipos.
A ausência de dinamismo do eixo central incomoda extremamente Tschichold, que o considera pretensioso e antiquado, por impor uma rigidez artificial aos layouts.
Em oposição a esta estética, ele propõe que a forma derive sempre da função do texto. Para atingir a disposição ideal, seria imprescindível incorporar a assimetria, valorizar os espaços brancos, explorar os contrastes e fazer uma utilização inteligente da cor.
Muitas vítimas da repressão nazista escolheram a Suíça como país de exílio, e entre elas, Tschichold. Ali foi influenciar de forma determinante a evolução da tipografia suíça.
Tschichold passou anos de sacrifícios até conseguir o direito de residência em Basel; contudo, preferiu viver na Suíça até à sua morte em 1974 – com a exceção de uma estadia em Londres, onde reformulou o design da série de livros de bolso Penguin Books.
No exílio em Basel, Tschichold reconsiderou os seus postulados de juventude, pareceu-lhe ter exagerado e ter sido dogmático, e decidiu voltar à tipografia tradicional e aos layouts de composição simétrica.
Com esta viragem de 180º regressou ao ponto por onde tinha começado a sua carreira. Vários colegas, entre eles um empoladamente polêmico e dogmático Max Bill, não lhe perdoaram este retorno às tradições – mesmo depois de Jan Tschichold ter apresentado trabalhos tão convincentes como a sua fonte renascentista Sabon
Um exemplo de publicação sobre Tschichold é um artigo de Richard B Doubleday, publicado na revista Baseline

A fonte Sabon é o resultado de um programa conjunto da Linotype, Stempel e Monotype, que queriam uma fonte que fosse disponível para composição manual, composição mecânica (linotipia) e fotocomposição.
O tipo deveria ter como ponto de partida os desenhos de Claude Garamond no século XVI.
Depois do ‘tiro de canhão’, que foi o pequeno caderno elementare typographie, Jan Tschichold publicou em 1928 o livro die neue typographie (a nova tipografia), o primeiro manual do desenho tipográfico moderno.
Die neue typographie foi o primeiro livro que Tschichold escreveu e compôs na totalidade; tornou-se o grande manifesto renovador das artes gráficas.
O livro é dirigido a tipógrafos, paginadores, impressores e publicitários, tornou-se em apenas um ano a obra de referência para orientar os profissionais sobre os princípios modernos da composição e da tipografia.
Publicada em 1928, die neue typographie é, possivelmente, a melhor obra sobre tipografia do século XX.
Pela primeira vez um livro relacionou o design tipográfico e editorial com as tendências artísticas, as necessidades técnicas e as mudanças sociais da época. Ao mesmo tempo, discute e sugere, com rigor, a normatização da Nova Tipografia na composição dos textos e na organização das páginas.
Publicou-se uma tradução americana da Neue Typographie de Jan Tschischold por Ruari McLean, que consegue ser muito fiel ao original alemão de 1928.
Recorreu-se a fontes, disposições de página, tipos de papel e de encadernação semelhantes, sendo a única concessão contemporânea a composição usando computador e a impressão com meios atuais.

4.1 Herbert Bayer (1900-1985)

Herbert Bayer nasceu na Áustria. Foi estudante da Bauhaus de 1921 até 1923, onde estudou sob a direção de Kandinsky e Moholy-Nagy.
Em 1925, Walter Gropius, na sua função de diretor da Bauhaus, convidou-o a dirigir a Oficina de Tipografia e Publicidade; assim, Bayer passou a integrar o corpo docente da Bauhaus.

Capa do Catálogo de produtos da Bauhaus, desenhada por Herbert Bayer.

Bayer pensou poder superar os limites impostos pelo vai-vem das modas; para tal, subordinou o seu desenho de letras a leis “intemporais” e “objetivas”.

Um dos seus lemas era: Os problemas de estilo e da expressão individual deviam retroceder face à “pureza da geometria” e às exigências da funcionalidade.
Assim orientado, Herbert Bayer apresentou em 1925 o protótipo de uma letra reduzida às formas geométricas mais elementares – linha, circunferência.
Bayer justificou a sua proposta: “a tipização dos elementos da letra, tendo por base o quadrado, a circunferência e o triângulo reduz o consumo de material tipográfico.”
Este método culminou numa tipografia cujas formas fossem tão elementares, que pudessem atingir uma validade “universal”.

‘‘No tipo “universal”, que Bayer apresentou em 1925 com o nome ‘sturm blond”, a redução foi extrema. A orientação que adotara – uso exclusivo de letras minúsculas, formas da geometria elementar, redução ao mais simples, universalidade – foi em breve seguido por outros artistas gráficos.

Jan Tschichold desenvolveu entre 1926 e 1929 outro alfabeto com o nome “universal”; também ele optou por eliminar as maiúsculas.

Na época da Bauhaus Herbert Bayer era um “radical de salão”, como era uso dizer-se. Era da opinião que a cultura era “artificial”, enquanto a ciência e o raciocínio seriam “puros”.
Em conseqüência, deduzia que as formas de letras simples e geométricas iriam ter um efeito benéfico na sociedade – porque assim, a sociedade não teria que se induzir em ilusões e não teria que usar estilizações aristocráticas e elitistas.

Estudo para uma fonte, 1932.

Os protagonistas da universal typographie pensavam que os novos sistemas de glifos deviam ser “nus” – nus como uma máquina, livre de embelezamentos, livre de qualquer ideologia da cultura. Apesar de Herbert Bayer advogar essa linguagem visual “nua”, também se mostrou apto a trabalhar de forma mais refinada.

“Nua e crua”: Digitalização da sturmblond de Bayer, de Paulo Heitlinger.

Em 1928, Bayer deixou a Bauhaus para seguir uma carreira de designer freelance.
Desmobilizou o seu rigor e purismo, para poder vender o seu trabalho.
Em 1933, a Fundição Berthold encomendou-lhe uma tipografia para uso comercial.
Para esta encomenda, Bayer apresentou a sua sturm blond, mas numa variante já “vestida”, ou seja: com serifas, e bastante condensada.
Houve poucos clientes do exterior interessados no design moderno e na tipografia feitos na escola Bauhaus. O sucesso comercial das idéias e dos protótipos da Bauhaus – se é que houve um tal sucesso – só começou a esboçar-se no fim dos anos 20.
Esta aceitação aumentou nos primeiros anos da década de 30 – para ser brutalmente interrompida pela barbárie nazista. Uma exceção foi a revista die neue linie.

Herbert Bayer foi diretor artístico da revista feminina Harper’s Bazaar no final da década de 1920-1930.

Trabalhou também para a revista Fortune, nos EUA, realizando excelentes ilustrações e infográficas.
Bayer trabalhou com Walter Gropius em Berlin, onde tinha o seu atelier após ter saído de Dessau.
Josef Albers, outro docente da Bauhaus, emigrou para os E.U.A. já em 1933; Herbert Bayer chegou a Nova Iorque em 1938, para finalizar os preparativos da exposição Bauhaus 1919-1928.
Bayer desenhou a exposição no MOMA a e realizou o catálogo. Este evento lançou as bases da energia vanguardista que impulsionou o design norte-americano a partir dos anos 40.
Nos EUA foi consultor da empresa J. Walter Thompson e da Dorland International. A partir de 1946 esteve ativo como professor no Aspen Institute Colorado.
Herbert Bayer, depois de trabalhar ainda longos 30 anos como artista plástico e gráfico nos EUA, fez o legado da sua obra ao Denver Art Museum.

Herbert Bayer, 50 jahre Bauhaus, Austellung, 1968

Carolina Shuvartz Pasquali - Bach. Design Gráfico

A ESCOLA BAUHAUS E O DESIGN DE INTERIORES

2009-07-11T12:31:00.000-07:00

A Escola Bauhaus surgiu em meio a um período conturbado da história da humanidade. Na Europa vivia-se a Revolução Industrial, que trazia consigo inúmeras conseqüências devastadoras, tanto nas condições de vida das pessoas, com a criação de grandes centros urbanos e reestruturações sociais, quanto nos produtos manufaturados e racionalizados.
Desde 1850 os ingleses já vinham tentando modificar os conceitos de formação dos artesãos e as escolas de arte. Dessa maneira, além da área industrial, a Inglaterra garantia o primeiro lugar também na área artesanal. Com esse conhecimento industrial mundial, era natural que os países vizinhos, inclusive a Alemanha, almejassem alcançar o mesmo poderio que tinha a indústria têxtil inglesa.
Em 1896 o governo alemão mandou um homem, Hermann Muthesius, como um espião de gostos, para uma missão de seis anos na Inglaterra, com o objetivo de estudar as razões do grande sucesso inglês. Após esse período de espionagem, Muthesius voltou à Alemanha com novidades e recomendações. Aconselhou a criação de oficinas de artes e ofícios para a contratação de diversos artistas modernos para dar aulas.
Nos anos seguintes, o modelo inglês foi copiado e por toda a Alemanha havia a criação de pequenas oficinas privadas que fabricavam utensílios domésticos mobiliários, artefatos têxteis e objetos de metal.
Em 1907, Hermann Muthesius fundou a Deutscher Werbund (associação de Artes e Ofícios – DWB), que se tornou a associação artística e econômica mais importante e de maior sucesso antes da Primeira Guerra Mundial. Em 1912 Walter Adolf Gropius também entrou para a associação Werkbund.
Em 1919, o governo alemão aprovou o pedido de Gropius para dirigir as duas escolas preexistentes em Weimar (a Escola Superior de Belas-Artes e a Escola de Artes e Ofícios), sob um único nome. Foi dessa fusão que se originou a Bauhaus (que significa Casa Estatal de Construção). A sede era em um edifício construído em 1905 por Henry Van de Velde.
"Criemos uma nova guilda de artesãos, sem as distinções de classe que erguem uma barreira de arrogância entre o artista e o artesão", declara o arquiteto germânico Walter Adolf Gropius quando inaugura a Bauhaus. A nova escola de artes aplicadas e arquitetura traz na origem um traço destacado de seu perfil: a tentativa de articulação entre arte e artesanato.

Gropius tinha fé na teoria da “obra de arte total” na qual o design se torna a síntese de todas as artes e ofícios, sob a égide da arquitetura. Tinha-se a concepção quase religiosa do design como uma força redentora por si mesma; um elemento de estímulo radical no contexto de uma nação moral e economicamente derrotada pela Primeira Guerra Mundial. O design, afirmava Gropius, poderia reestruturar uma sociedade alemã melhor, mais coesa e, afinal, democrática.

A Bauhaus foi a mais importante escola de desenho industrial, arte e arquitetura do século XX. O design constituiu importante área moderna do conhecimento e da aplicação tecnológica do homem, a qual teve um desenvolvimento cultural e educacional muito significativo nessa escola, que tinha como lema “a construção do futuro”. Esse lema tentava combinar todas as artes num só ideal, exigindo um novo tipo de artista entre as especializações acadêmicas, para o qual a Bauhaus iria oferecer uma educação adequada.

Para alcançar esse marco, Gropius viu a necessidade de desenvolver novos métodos de ensinamentos e concluiu que as bases para as várias artes ainda deveriam ser achadas. A escola tinha basicamente três objetivos, que não se alteraram ao longo de seu período de existência, mesmo quando a direção da escola mudava significante e rapidamente. O primeiro deles era tirar cada uma das artes do isolamento em que se encontrava a fim de motivar os artesãos a trabalharem em cooperativa, combinando todas as suas habilidade e técnicas. O segundo era elevar o status das peças artesanais (cadeiras, candeeiros, bules de chá, talheres etc.) ao mesmo nível das belas-artes, como a pintura, a escultura etc. E o terceiro objetivo era manter contato com as indústrias, numa tentativa de conseguir a independência do governo por intermédio da venda dos seus projetos.

A escola possuía alguns ateliers ligados ao design de mobiliário e de acessórios. Dentre eles destacam-se: Atelier de Tecelagem - Este foi constituído genericamente pelas alunas da Bauhaus, dada a impossibilidade ou dificuldade de seguimento nos outros ateliers. Inicialmente preparada para ser uma das muitas técnicas têxteis a aprender, a tecelagem só foi aprendida à custa da experimentação, ou como formação especializada adquirida fora da Bauhaus. Neste atelier reflete-se o ensino dos cursos preliminares lecionados por Kandinsky e Moholy-Nagy.

Atelier de Metal - O atelier de metal esteve sob a direção artística de Itten até 1922 e produziu sobretudo artigos quotidianos com formas geométricas básicas, apresentando um modelado orgânico com influências de Jugendstil. Em 1923, Moholy-Nagy substitui Itten quando esta apresenta a sua demissão, alterando rapidamente a metodologia anterior. Moholy-Nagy apoiava o uso de novos materiais como o vidro ou plexiglass que comprava à indústria, encorajava os estudantes a produzirem combinações de metais originais e a utilizarem os pouco comuns.

Atelier de Mobiliário ou Carpintaria - Em 1921, este atelier surge na escola, com o seu diretor a chefiá-lo no papel de mestre de forma. Gropius já tinha desenhado mobiliário para os seus projetos de arquitectura. Neste atelier é de assinalar que cedo se sentiu a necessidade premente de que os seus produtos fossem estandardizados. Assim, numa fase de construtiva da escola e ainda sentindo as influencias dos movimentos artísticos contemporâneos, surgem os produtos de Marcel Breuer.

A Bauhaus combatia a arte pela arte, estimulava a livre criação com a finalidade de ressaltar a personalidade do homem e unia a arte à tecnologia para atender às demandas da sociedade industrial e da produção em massa, ao contrário do que era feito antes da criação da escola: reprodução das artes clássicas. A filosofia da escola ficou tão impregnada nos alunos que não tardou muito para o estilo de seus produtos funcionais, econômicos e sem ornamentos inúteis inspirar protótipos que saíam de suas oficinas para a execução em série na indústria.

Ao iniciar a Bauhaus, Gropius apoiou-se principalmente em três mestres: o pintor americano Lyonel Feininger, o escultor e gravador alemão Gerhard Maecks e o pintor suíço Johannes Itten. Depois, juntaram-se a eles alguns artistas como Oskar Schlemmer, o suíço Paul Klee, o russo Wassili Kandinski, László Moholy-Nagy e Ludwig Mies Van der Rohe.

Os alunos eram encorajados a se libertarem dos preconceitos em relação ao belo, e estimulados a buscar novas soluções do design. A meta era formar designers que tivessem conhecimento exato do material e dos processos de trabalho estivessem em condições de influir na produção industrial da época, e isso se tornou recíproco, pois a qualidade técnica e artística foi reconhecida igualmente pelo produtor e consumidor. O aluno “aprendia, fazendo”.

Simultaneamente às práticas de oficina, o aluno estudava geometria, desenho, teoria das cores, composição e materiais. Ensinava-se a determinar a forma do objeto primeiramente pela sua função e, em seguida, pelas conveniências da produção mecânica. Percebe-se nesse momento uma relação com o atual conceito de ergonomia, ou seja: a preocupação em evitar e resolver problemas causados pela tecnologia da vida moderna para o ser humano. Isso significa o desenvolvimento de objetos e construções projetados expressivamente para a produção industrial. O objetivo seria eliminar as desvantagens da máquina, sem prejudicar nenhuma de suas vantagens reais. Procurava-se criar padrões de qualidade e não apenas e não apenas novidades momentâneas ou transitórias. Na verdade, os objetos eram desprovidos de detalhes e valorizados por sua configuração geométrica geral. O desenho era racional, com paleta de cores que prioriza o azul, o vermelho e o amarelo, o geométrico e o assimétrico substituindo o ornamento. No mobiliário, isso se materializa nas linhas puras da cadeira Wassily, de 1925: o desenho está a serviço do conforto, o aspecto do móvel é de leveza.

A ligação mais efetiva entre arte e indústria coincide com a mudança da escola para Dessau, em 1925. No complexo de edifícios projetados por Gropius são delineadas as abordagens características da Bauhaus: as pesquisas formais e as tendências construtivistas realizadas com o máximo de economia na utilização do solo e na construção; a atenção às características específicas dos diferentes materiais como madeira, vidro, metal e outros; a idéia de que a forma artística deriva de um método, ou problema, previamente definido o que leva à correspondência entre forma e função; e o recurso das novas tecnologias. Data desse período o desenvolvimento de uma série de objetos - mobiliário, tapeçaria, luminária etc. -, produzidos em larga escala, como as cadeiras e mesas de aço tubular criadas por Marcel Breuer (1902 - 1981) e Ludwig Mies van der Rohe (1886 - 1969) e produzidas pela Standard Möbel de Berlim e pela Thonet.

O ano de 1928 marca a saída de Gropius da direção e sua substituição pelo arquiteto suíço Hannes Meyer, o que sinaliza uma ênfase mais social em relação ao design, traduzida na criação de um mobiliário de madeira - mais barato, simples e desmontável - e de grande variedade de papéis de parede. Diante das pressões do nazismo sobre Meyer, em 1930 a escola passa a ser dirigida pelo arquiteto Mies van der Rohe.

Em 1932, os nazistas tomaram o poder em Dessau, forçando a escola a mudar-se de Berlim, para uma fábrica de telefones abandonada, sob o nome de Instituto Superior de Pesquisa Técnica. Porém, seis meses mais tarde, em julho de 1933, a Gestapo ocupou a escola e obrigou seu fechamento definitivo. Os nazistas alegavam que a Bauhaus estimulava as características não-germânicas.

Hoje em dia, a Bauhaus alemã continua a abrir janelas por toda a Europa e no Novo Mundo. Embora nos 14 anos a escola tenha se desdobrado de uma doutrina fortemente influenciada pelo expressionismo tardo-romântico para o racionalismo radical, a Bauhaus representou historicamente o início da consolidação dos princípios funcionalistas do design gráfico enquanto disciplina, por intermédio de sua ação pedagógica.

Desde que a escola tentou combinar a arte com a engenharia e o artesanato, a inovação fluiu através da Bauhaus numa mistura de múltiplos avanços, afetando os mais básicos aspectos da vida. Os efeitos da Bauhaus encontram-se em quase tudo a nossa volta: na mobília, na arquitetura, no teatro e nos projetos até mesmo dos arranha-céus. A escola trabalhou também com candeeiros, cadeiras e outros objetos manufaturados.

A mudança que o design vem sofrendo atualmente com o crescente desenvolvimento tecnológico é semelhante ao tipo de transformação que ele sofreu no período da Escola de Bauhaus. A crescente industrialização gera conseqüências devastadoras nas condições de vida das pessoas e nos produtos manufaturados dos artífices e dos operários, havendo o risco de a evolução transformar a globalização em uma forma de acelerar a destruição do próprio homem, no aspecto ecológico ou mesmo sociocultural. Na época não houve preocupação com os efeitos catastróficos que a indústria poluente causa ao meio ambiente.

REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

MACHADO, O.G.,DELMONEGO,L.C. A importância da escola Bauhaus na formação do designer. Revista Univille, dezembro de 2004, v. 9, n. 2.
CARMEL-ARTHUR,Judith, Bauhaus. São Paulo: Cosac & Naify Edições, 2001.
WOLFE, Tom, Da Bauhaus ao nosso caos. Rio de Janeiro: Editora Rocco, 1991.
< http://bauhaus.raprod.com.br/bauhaus.html>. Acesso em: 22 jun 2009, 20:30.
. Acesso em: 22 jun 2009, 22:10.

Alice Gomes
Camila V.D.L.
Ludmila Nunes
Raquel Rocha - Design de Interiores

Bauhaus e seu legado: 90 anos

2009-07-09T04:54:00.000-07:00

Impacto e Ressonância

Mais do que uma escola revolucionária no ensino do Design, Arte e Arquitetura, a Bauhaus foi um movimento de transformações, nestes dois últimos, que marcou o século XX. Fundada na Alemanha em 1919 sob a direção do Arquiteto Walter Gropius – que incluía também em seu corpo docente artistas de vanguarda como Wassili Kandinski e o arquiteto Mies Van der Rohe - ela foi responsável por fixar diretrizes estéticas que se difundiram em outros países do Ocidente. A harmonia entre 'forma' e 'função', sem detalhes decorativos supérfluos – na Arquitetura e nos objetos da vida cotidiana – era um princípio da nova era funcionalista.

Interior da Bauhaus em Dessau.

"A arquitetura é a meta de toda a atividade criadora", são palavras de Walter Gropius, no primeiro manifesto redigido em 1919. A Bauhaus tinha uma proposta clara e inovadora de integração entre Arte e Sociedade, a criação de uma estética humanista do mundo moderno, com uma vontade mais ampla de adequar a sociedade à realidade tecnológica do século, dominado pela Revolução Industrial; enfim, ordenar o espaço moderno de convivência.
A Bauhaus abriu o campo para o Desenho Industrial – móveis, luminárias, pesquisas de tecido, artes gráficas. Definiu um estilo para seus produtos – ausentes de qualquer ornamento, que levassem em conta o lado prático e econômico –, cujos protótipos saíam de suas oficinas para a execução em série na indústria. Os objetos produzidos pela indústria deveriam ser um misto de Engenharia e Arte, beleza e funcionalidade, dentro do compromisso Arte / Sociedade de convocar a participação do trabalho do artista para construir uma alternativa racional, a fim de humanizar o novo ambiente comprometido com a 'máquina'. Um sonho logo absorvido pela sociedade capitalista e transformado em dispositivo de acionar a competição e o consumo.
Após Hitler fechar as suas portas, grande parte dos professores e alunos já havia partido para outros países, divulgando suas idéias, até chegarem à América, como os arquitetos Walter Gropius – que lecionou em Harvard – e Mies Van der Rohe, um dos principais arquitetos da remodelação de Chicago. O ensino inovador da escola já havia se difundido nos principais centros de Arte. A Bauhaus exerceu uma influência extraordinária sobre a Arquitetura do século XX, no mundo ocidental; um estilo marcante pelas linhas retas dos prédios, ambientes claros, espaços bem aproveitados e pela ausência de adornos. Estilo que chegou também ao Brasil através de ex-alunos da antiga escola, hoje esquecidos, como o alemão Alexandre Altberg e o belga Alexandre Buddeus.

As três casas modernas de Altberg, à Rua Paul Redfern, em Ipanema: à época de sua construção, em 1932, e hoje, muito modificadas.

No Brasil, a Arquitetura Moderna foi importada e adaptada através da versão francesa, principalmente com a vinda do arquiteto Le Corbusier, a convite do ministro Gustavo Capanema, na segunda metade da década de 1930, para realizar estudos para o projeto do Ministério de Educação e Cultura (MEC), projeto este que foi desenvolvido por uma equipe de jovens arquitetos brasileiros, como Oscar Niemeyer, Lúcio Costa e Affonso Eduardo Reidy, obedecendo ao traçado do mestre. Porém, na primeira fase do Modernismo, foram os alemães que influenciaram a arquitetura brasileira, pioneiros no uso do concreto armado, bastante difundido e utilizado na nossa arquitetura.
Na Bahia, a Arquitetura Moderna – também nesse primeiro momento do Modernismo –, apareceu sobre influência alemã. Destaca-se o Instituto de Cacau da Bahia, localizado no Centro comercial de Salvador, como um dos poucos exemplos, no Brasil, de uma arquitetura influenciada pelos princípios da Bauhaus. Projeto do arquiteto belga, e ex-aluno da referida instituição, Alexander Buddeus. Uma arquitetura com um toque expressionista, como podemos observar em alguns projetos do mestre Gropius.

O Instituto do Cacau, na Bahia (1932-36), com seus cantos arredondados e basculantes fixos; arquiteto Alexander Buddeus.

Seu grande impacto na arquitetura é percebido com maior vigor na Europa, Estados Unidos, Canadá e Israel (particularmente na Cidade Branca, em Tel-Aviv), segundo levatamento e pesquisa de historiadores, de 1933 até o ano de 2004, havia-se construído cerca de 4000 edifícios, contando projetos de alunos da Bauhaus, pupilos e outras academias seguidoras das idéias da Bauhaus.
Com o design funcionalista defendido pelos diretores da instituição, tivemos uma das mais importantes contribuições que a Bauhaus produziu pelas mãos de seus alunos, que através do domínio de elementos e materiais diversos como metais, madeira, couro, espumas e tecidos, estes serviram de base para desenvolvimento de projetos de mobiliário moderno. Objetos, poltronas, sofás e cadeiras, até hoje são largamente utilizados no design de interiores de todo o mundo, como por exemplo a cadeira barcelona de Mies Van der Rohe, e tantas outras, umas repaginadas, reeditadas, ou simplesmente replicadas como originais.

Interior de hotel com cadeiras e bancos barcelona, projetados por Mies Van der Rohe.

Atualmente a Bauhaus de Weimar mantém a sua liderança como uma das melhores universidades na Alemanha, lecionando sobretudo o ramo da arquitectura, mas estando também integrada num núcleo de outros pólos de ensino ligado às artes e de onde se destaca design, música, entre outros. O ensino da Bauhaus encontra-se intrínseco na própria forma de leccionar da escola actualmente, baseando-se muito na experimentação prática de ideias e na realização de seminários e workshops para confronto de conhecimentos. O edifício inicial projetado por Walter Gropius sofrera inúmeras modificações após a Segunda Guerra. Em 1994 iniciou-se um processo de reforma visando restabelecer ao edifício sua condição original. O empreendimento foi promovido pela Fundação Bauhaus e coordenado pela arquiteta Monika Markgraf. Devido a inexistência do projeto original o trabalho foi árduo e concluído somente em 2007.

Ariela Vieira
Gabriela Vieira
Roberto Scot
Tarsila Araújo - Design de Interiores

ARTISTAS DA BAUHAUS

2009-07-08T12:55:00.000-07:00

JOHANNES ITTEN (1888-1967)

Nas suas pesquisas, Itten desenvolveu o disco de cores, que ainda hoje permite descobrir combinações harmoniosas de cores (os seis contrastes de cor).

Johannes Itten foi pintor, docente e ensaista místico, associado à primeira fase da Bauhaus. Itten foi, ao lado de Gropius, a figura mais marcante da primeira fase.
Nascido em 1888 na Suíça, Itten foi professor de escola primária e teve sua formação de pintor com Adolf Hoelzel.
Foi lecionar em Bauhaus em 1919 e pediu demissão em 1923, por não concordar com a proposta de Gropius que era a cooperação com a indústria.
Desenvolveu um sistema de ensino baseado no estímulo da criatividade individual, para isso Itten iniciava suas aulas com exercícios de ginástica e respiratórios.
Na Bauhaus desenvolveu um Curso preliminar — Vorkus.

OSCAR SCHLEMMER (1888-1944)

Oscar Schlemmer Projeto de figurinos para o Balet Triádico.

Pintor começou a dar aulas na Bauhaus em 1920 como diretor da oficina de escultura e também de metal, assume a direção de arte teatral.
O homem», 1928
Schlemmer apresenta o programa da disciplina «O homem», ministrada por ele na Bauhaus: «Matéria de ensino: o homem.
A medida do ser humano, relacionada com a medida do meio ambiente, serve de introdução à instalação do modus vivendi.” (Oskar Schlemmer, diário 03.11.1928)
“A receita pela qual se norteia o teatro da bauhaus, é muito simples: que a gente seja tão descomprometido quanto possível; que a gente se aproxime das coisas como se o mundo tivesse acabado de ser criado; que a gente não reflita determinada coisa até a destruição e sim que a gente conserve, livre, permitindo seu desdobramento. Que a gente seja simples, mas não pobre (“a simplicidade é uma grande palavra”), que a gente prefira ser primitivo a ser vaidoso, complicado e inchado; que a gente não seja sentimental, mas que a gente em vez de sê-lo, tenha espírito. Com isto está dito tudo como não está dito nada! Mais: que a gente parta do elementar. E o que quer dizer isto? Que a gente parta do plano, da linha, da superfície simples, e que a gente parta da simples composição de superfícies: a partir do corpo. Que a gente parta das cores simples como são: branco, cinza, vermelho, azul, amarelo e preto. Que a gente parta do material, descubra as diferenças de tecido dos materiais como vidro, metal, madeira, e assim por diante, assimilando-o interiormente. Que a gente parta do espaço, da sua lei e do seu segredo, deixando-se “enfeitiçar” por ele. Com isto, novamente, está dito muito e não é dito nada, até o momento em que estes conceitos tenham sido sentidos e preenchidos. Que a gente parta da situação do corpo, do ser, do estar em pé, do caminhar e somente no fim do saltar e do dançar. Porque o dar um passo representa um importante acontecimento: e nada menos do que isto, levantar uma mão, mexer um dedo. Que a gente tenha tanto respeito quanto consideração diante de cada ação do corpo humano, de vez que no palco se manifesta este mundo especial da vida, do aparecer, esta segunda realidade, na qual tudo está circundado pelo brilho do mágico”. (Oskar Schlemmer, diário, maio de 1929)
“O teatro que deve ser a imagem do nosso tempo e talvez a forma de arte mas peculiarmente condicionada por ele, não pode ignorar os sígnos [abstração, mecanização e “as novas potencialidades da tecnologia e invenção que podemos usar juntas para criar novas hipóteses e que assim podem engendrar, ou ao menos prometer, ousadas fantasias”]”

o balet triádico

Oscar Schlemmer, figura do balet triádico.

O balé deve ser entendido como uma dança da tríade, a troca do um, com o dois, com o três. Mais além, a tríade é: forma, cor, espaço; as três dimensões do espaço: altura, profundidade e largura. As formas fundamentais: esfera, cubo e pirâmide; as cores fundamentais: vermelho, azul e amarelo. A tríade de dança, traje e música.” (diário, 5 de julho de 1926)

LYONEL FEININGER (1871 – 1956)
Cubismo / Expressionismo

Lyonel Feininger, "a catedral", xilogravura que ilustrou o 1º manifesto da Bauhaus.

Depois de estudar arte em Hamburgo, Berlim e Paris e de sua atividade como caricaturista, Feininger desenvolveu a partir de 1912 estilo próprio, à base de paisagens e composições arquitetônicas inspiradas pelo cubismo. Influenciado pelo expressionismo, em suas primeiras pinturas tentou reduzir as formas a corpos articulados prismaticamente, utilizando para isso uma coloração matizada e quase transparente, a qual confere a muitas de suas obras um caráter excêntrico e onírico. Seus motivos preferidos foram os edifícios medievais, como se pode ver em Igreja do Mercado de Halles (1930), e as marinas, nas quais costumam aparecer barcos a vela. Entre 1919 e 1932 foi professor e artista da Bauhaus, cujo primeiro manifesto de 1919 ilustrou com uma gravura em madeira intitulada A Catedral. Proibido pelos nazistas como artista degenerado, em 1937 voltou a seu país de origem, os Estados Unidos.

PAUL KLEE (1879-1940)

Paul Klee, Senécio,óleo sobre tela

Paul Klee nasceu em 18 de dezembro de 1879 em Münchenbuchsee, perto de Berna, na Suíça.
Os primeiros passos em direção ao movimento que mais tarde ficaria conhecido como Expressionismo foram dados nesta época. É notável que as paisagens de Klee mudaram, perdendo sua objetividade e tornando-se mais monumentais e românticas.
Em resumo, Klee, nesta época, estava em contato com a maioria dos artistas experimentais da Europa Ocidental, muitos dos quais profundamente interessados na questão da cor. Esta preocupação foi fomentada em uma curta viagem à Tunísia em 1914. Cores brilhantes e luz forte cristalizavam as idéias de Klee sobre cor e tonalidades.
Depois, a vida foi interrompida pela Primeira Guerra Mundial, durante a qual Klee serviu como oficial. Embora tenha produzido alguns trabalhos durante a guerra, ele não começou a pintar seriamente até 1918. Nesta época já estava ficando bem conhecido. Em 1919 assinou um contrato com Goltz, o comerciante de arte que atuou como patrono de uma grande exposição dos trabalhos de Klee em 1920.
Em 25 de novembro de 1920, o arquiteto Walter Gropius convidou-o para juntar-se ao grupo Bauhaus. Então, em 1921, Klee mudou-se de Munique para Weimar para assumir seu papel de mestre de forma na oficina de artefatos de vidro. Na década seguinte, Klee lecionaria nos institutos de Weimar e Dessou Bauhaus.
Em 1931, o pintor deixou a Bauhaus e foi nomeado para a Düsseldorf Academy. A Bauhaus, nesta época, foi forçada pelos nazistas a deixar Dessau e a se estabelecer em Berlim. Em 1932, Klee foi violentamente atacado pelos nazistas e, próximo ao Natal daquele ano, retornou a Berna, onde desenvolveu sua fase artística derradeira, baseada em um desejo pro simplicidade. Agora ele também se encontrava perto da pobreza, pois seus recursos financeiros na Alemanha haviam sido confiscados.
Em 1935, ele desenvolveu os primeiros sintomas de câncer de pele. Por algum tempo sofreu de depressão, resultante de sua doença, mas, em 1937, retornou o trabalho com ímpeto e energia fenomenais. Enquanto isso, na Alemanha, alguns de seus trabalhos foram expostos em uma "exibição de arte degenerada", e mais adiante 102 deles seriam confiscados de coleções públicas.
Em 10 de maio de 1940, Klee foi acolhido por um sanatório perto de Locarno e, menos de um mês depois, transferido para a clínica Sant'Agnese. Morreu em 28 de junho do mesmo ano.
Klee experimentou a mistura de meios artístcos, usando aquarela e pintura a óleo ou tinta, cola e verniz, por exemplo. No entanto, nem sempre é possível especificar o meio utilizado em alguns trabalhos.

WASSILY KANDINSKY(1866-1944)

Wassily Kandinsky, Composição,óleo sobre tela

Kandinsky nasceu em 1866 em Moscovo. Licenciado em Direito. Em 1896 dedica-se a pintura, a partir daí expõe em diversas exposições. Tem aulas livres de pinturas em Bauhaus.
O pioneiro do abstracionismo nas Artes Plásticas.
O artista começou a estudar pintura em Munique - nesta época considerada como um centro artístico.
Na etapa ainda figurativa do artista, a tela "O Cavaleiro Azul (1903)" reproduz um personagem dos contos de fadas, imagem muito comum na infância de Kandinsky, simbolizando o combate entre o bem e o mal, luta e transformação. Este tema se repete nesta fase do pintor. Em 1908, retorna a Munique, onde edita o ensaio "Do Espiritual na Arte", em 1911, no qual apresenta a arte como expressão de um imperativo interior. Nesta década, o pintor realiza os primeiros trabalhos não figurativos, tornando-se assim o primeiro artista no Ocidente a criar uma pintura abstrata. Ele libera as artes plásticas das cadeias convencionais a que elas se prendiam. Com sua atitude inovadora, influencia profundamente não só esta esfera, mas vários outros setores artísticos.
Em 1912, a famosa tela acima citada dá nome a um almanaque – Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul) – e ao primeiro grupo expressionista, de teor lírico, comparado ao caminho mais dramático do grupo Die Brücke, também expressionista. Durante a Primeira Guerra, o artista refugia-se na Rússia, até 1921. Assim, é testemunha da Revolução Socialista, e como membro integrante do Comissariado para a Cultura Popular inaugura vários museus e reconstitui a Academia de Belas Artes de Moscou. A partir de 1922, Kandinsky se torna professor da Bauhaus. Porém, em 1933, esta é fechada pelos nazistas e os trabalhos do pintor são apreendidos em 1937.

"Em muitos aspectos a arte é semelhante à religião"
Kandinsky

Gunta Stölzl (1897 - 1983)

Gunta Stölzl, tapeçaria

Foi estudante da Bauhaus de Weimar. Trabalhou com Paul Klee e freqüentou aulas de Johannes Itten. Estudou também na oficina de tecelagem onde produziu assento e encosto de tecido para uma cadeira desenhada por Marcel Breuer e desenhou têxteis para Sommerfeld House, de Walter Gropius. Estabeleceu as oficinas de tecelagem Ontos, em Herrliberg, perto de Zurique, que dirigiu por nove anos. Em 1925 retornou a Bauhaus e tornou-se mestre na oficina de tecelagem, que dirigiu a partir de 1927. Abandonou a Bauhaus em 1931 e com seus antigos alunos fundou S-P-H-Stoffe em Zurique. O estúdio e a oficina de tecelagem produziram carpetes e tecidos para estofos para a Wohnbedarf e outras companhias. A partir de 1937 dirigiu sozinha as oficinas e em 1939 expôs na Swiss National Exhibitio. Nos anos 50 produziu tapeçarias de Gobelin e em 1967 encerrou o estúdio.

László Moholy-Nagy (1895 - 1946)

László Moholy-Nagy, escultura

Foi um designer, fotógrafo, pintor e professor de design pioneiro, conhecido especialmente por ter lecionado na escola Bauhaus. Ele foi muito influenciado pelo Construtivismo Russo e um defensor da integração entre tecnologia e indústria no design e nas artes. Nagy aplicava a técnica de colagem de negativos e uso de instrumentos que interferem artisticamente na impressão das fotos. Em 1937, a convite de Walter Paepcke, Moholy-Nagy mudou-se para Chicago para tornar-se o diretor da New Bauhaus. Mas a escola perdeu se apoio financeiro e fechou no ano seguinte. Mas Paepcke manteve seu apoio e em 1939, Moholy-Nagy fundou a School of Design. Em 1944, ela tornou-se o Institute of Design. Moholy-Nagy relata seu esforço para desenvolver o currículo da School of Design em seu livro Vision in Motion. Moholy-Nagy morreu de leucemia em Chicago em 1946.

Walter Peterhans (1897-1960)

Walter Peterhans, fotografia

Estudou fotografia de 1925 a 1926 na Staatliche Akademie für Graphiche Künster
und Buchgewerbe, em Leipzig. Em 1929 foi nomeado chefe do departamento de fotografia recentemente introduzido na Bauhaus. Peterhans preocupava-se principalmente em ensinar aos seus estudantes os princípios da fotografia tecnicamente perfeitas. Inúmeros fotógrafos já qualificados vieram ter com ele para receberem uma formação suplementar. Na sua auto-análise como fotógrafo, Peterhans era radicalmente oposto às experiências de Moholy-Nagy e rejeitou o conceito de fotografia produtiva e de "design" de luz. "A técnica da fotografia é um processo de pormenores precisos em meios tons", escreveu Peterhans."

Anni Albers (1899-1994)

Anni Albers, projeto de tapeçaria

Anni Albers nasce em 12 de junho de 1899, em Berlim na Alemanha. De 1916 a 1919 teve aulas particulares de pintura com Martin Brandenburg. Em abril de 1922 entra para a escola de Bauhaus e se especializou-se em design textil. Em 1925 Josef e Anni se casam em 9 de maio e se mudam para Dessau com a Bauhaus. Anni teve vários de suas peças publicadas e recebeu vários contratos pelas tapeçaria de parede. Depois que Gropius deixou Dessau em 1928, o casal Albers começaram suas longas viagem por Itália e Espanha e outros países.
Lecionaram em Black Mountain College, na Carolina do Norte nos anos de 1933 até 1949.
Depois de deixar a Black Moutain College, Anni Albers trabalhou como designer textil indepentende. Desenhou conjuntos geométricos abstratos que valorizavam as qualidade da textura dos materiasis para a Knoll International desde 1959 e para Sunar desde 1978. Em 1961 ganhou a medalha de ouro para o artesanato do American Institute of Architects.

Gerhard Marcks (1889-1981)

Gerhard Marcks, escultura

Nasceu em Berlim no ano de 1889. Foi autodidata no estudo de escultura e de 1908 a 1912 trabalhou no atelier do escultor Richard Scheibe em Berlim. Em 1918 juntou-se à associação radical de arte Novembergruppe.Lecionou na Bauhaus em Weimar. E em 1920 Gropius deisngou-o para ser o diretor artístico da nova oficina de cerâmica da Bauhaus em Dornjburg, cerca de 30km de Weimar. Marcks manteve-se neste cargo ate 1924 e suas cerâmicas deste período eram relativamente ornamentais.Em 1925 tornou-se diretor do atelier de escultura no Kunstgewerbeschule Halle/Burg Giebichenstein e em 1928 foi nomeado diretor da escola onde esteve ate 1933.Em 1933 foi demitido do seu cargo em Halle pelos nazis e foi para NMiehagen. A partir de 1937 tentou trabalhar como freelancer em Berlim, mas foi banido da exposição. Marcks sofreu mais perseguições quando seu estudo em Berlim-Nikolassee foi destruído em 1943.Depois da segunda guerra mundial ensinou escultura na Landeskunstschule, Hamburgo, durante 4 anos. E em 1950 foi para Colônia onde trabalhou como artista independente.Em 1971 foi estabelecida em Bremen, Colônia e Berlim uma retrospectiva do seu trabalho.

Clarissa Mikado
Lorena Queiroz Bonfim - Design de Interiores

História da Bauhaus

2009-07-08T12:30:00.000-07:00

“A arquitetura é a meta de toda a atividade criadora. Completá-la e embelezá-la foi, antigamente, a principal tarefa das artes plásticas... Não há diferença fundamental”.
entre o artesão e o artista... Mas todo artista deve necessariamente possuir competência técnica. Aí reside sua verdadeira fonte de inspiração criadora... Formaremos uma escola sem separação de gêneros que criam barreiras entre o artesão e o artista. Conceberemos uma arquitetura nova, a arquitetura do futuro, em que a pintura, a escultura e a arquitetura formarão um só conjunto.”.

Essa citação consta no primeiro manifesto da Bauhaus, escrito em 1919 por Walter Gropius, mostram as idéias básicas da escola e o movimento q ela causou na Alemanha, entre 1919 e 1933. A Bauhaus reuniu vários criadores de vanguarda muito importantes, que criaram idéias que iriam prevalecer em todo o mundo durante o século XX.

Período de Weimar.

Em 1919, o arquiteto alemão Walter Gropius integrou duas escolas existentes na cidade de Weimar, a Escola de Artes e Ofícios, do belga Henri van de Velde, e a de Belas-Artes, do alemão Hermann Muthesius, e fundou uma nova escola de arquitetura e desenho a que deu o nome de Staatliches Bauhaus (Casa Estatal de Construção), com sede em um edifício construído em 1905 por Van de Velde.
Um dos primeiros movimentos da Bauhaus foi o Arts and Crafts, do inglês William Morris, que procurou restabelecer a dignidade medieval do artesanato e do artesão. Porém, o ensino da Bauhaus opunha-se às concepções de Morris, contrárias à revolução tecnológica e à produção em série. Também não agradava a Gropius o estilo art nouveau, devido a seu caráter decorativo e esteticista.

A associação Deutscher Werkbund foi a que mais elevou a Bauhaus. Fundada em 1907 por Hermann Muthesius para incentivar as relações entre os artistas modernos, os artesãos qualificados e a indústria. Muthesius desejava criar o que chamava de Maschinenstil (estilo da máquina). Gropius, que foi membro da Werkbund, materializou esse objetivo, em grande parte, na Bauhaus.
A Bauhaus combatia a arte pela arte e estimulava a livre criação com a finalidade de ressaltar a personalidade do homem. Mais importante que formar um profissional, segundo Gropius, era formar homens ligados aos fenômenos culturais e sociais mais expressivos do mundo moderno. Por isso, entre professores e alunos havia liberdade de criação, mas dentro de convicções filosóficas comuns.
O ensino era suficientemente elástico, com a participação, na pesquisa conjunta, de artistas, mestres de oficinas e alunos. Para Gropius, a unidade arquitetônica só podia ser obtida pela tarefa coletiva, que incluía os mais diferentes tipos de criação, como a pintura, a música, a dança, a fotografia e o teatro.

De tal maneira a filosofia da Bauhaus impregnou seus membros que sem demora se definiu um estilo em seus produtos despidos de ornamentos, funcionais e econômicos, cujos protótipos saíam de suas Oficinas para a execução em série na indústria. O estilo Bauhaus era fruto do pensamento dos professores, recrutados, sem discriminação de nacionalidade, entre membros dos movimentos abstrato e cubista.

No início da Bauhaus, Gropius baseou-se principalmente em três mestres: o pintor americano Lyonel Feininger, o escultor e gravador alemão Gerhard Marcks e o pintor suíço Johannes Itten. A eles se juntaram depois artistas da categoria de Oskar Schlemmer, Paul Klee, Wassili Kandinski, László Moholy-Nagy e Ludwig Mies van der Rohe. Em 1925, Josef Albers e Marcel Breuer passaram a fazer parte do grupo.

Mudança para Dessau.

Ameaçada ao fim pelos conservadores por causa de suas inovações, a escola mudou-se em 1925 para Dessau, onde ficou até o começo do nazismo. Gropius projetou e construiu um conjunto de prédios que eram, em si mesmos, um manifesto de arquitetura moderna e uma das mais extraordinárias obras da década de 1920 para abrigar a Bauhaus.
As atividades da Bauhaus aumentaram em Dessau com o lançamento de publicações e a organização de exposições. Uma clara mentalidade racionalista presidia à elaboração dos projetos. Em 1928, Gropius passou o cargo de diretor ao suíço Hannes Meyer, abandonando a escola, já então consolidada, junto com Moholy-Nagy e Breuer.
A nova direção realçou ainda maior à arquitetura e assistiu à chegada das influências do construtivismo russo. Em 1930, Meyer, cuja postura esquerdista não era bem vista pelas autoridades, foi substituído pelo arquiteto alemão Mies van der Rohe. Este reorganizou a escola e deu-lhe um novo impulso.
Em 1932, com a chegada dos nazistas ao poder em Dessau, a Bauhaus se transferiu para Berlim, onde continuou a funcionar até seu fechamento definitivo em 1933. As possibilidades da vanguarda alemã, com isso, se fecharam também, mas o ensino inovador da Bauhaus já havia se difundido a essa altura nos principais centros de arte. Tal difusão tornou-se ainda maior quando os grandes mestres da escola, devido às perseguições nazistas, passaram a emigrar, principalmente para os Estados Unidos e a Inglaterra.
Em 1928, Sandor Bortink fundou em Budapest o Mühely, também chamado Bauhaus de Budapeste, que existiu até 1938.

Em 1933, Josef Albers instalou um departamento do tipo Bauhaus no Black Mountain College (Carolina do Norte, Estados Unidos) e depois na Universidade de Harvard.
Em 1937, Moholy-Nagy criou em Chicago a New Bauhaus, mais tarde incorporada ao MIT (Massachusetts Institute of Technology). Gropius passou a lecionar em Harvard e Mies van der Rohe tornou-se um dos principais arquitetos da remodelação de Chicago.
Em 1950 inaugurou-se em Ulm, na Alemanha, a Hochschule für Gestaltung (Escola Superior da Forma), dirigida por Max Bill, ex-aluno da Bauhaus de Dessau. A essa última instituição, em especial, coube dar seguimento programático às formulações da antiga Bauhaus -- uma escola que se integrou perfeitamente no contexto da civilização do século XX para dar-lhe uma visualidade própria.

Aline,
Ana Eliza
Tarcísio
Fernanda
Hellen
Carolina - Design de Interiores

DE STIJL

2009-07-07T12:08:00.000-07:00

Piet Mondrian. Composição com vermelho, amarelo e azul, 1929. Óleo sobre tela, 45,2x45cm. Wilhem-Hack Museum,Ludwighafen.

Movimento artístico nascido na Holanda em 1917, também conhecido como Neoplasticismo, surge a partir da publicação de uma revista chamada De Stijl (O Estilo) por Piet Mondrian (1872-1944) e Theo van Doesburg (1883-1931) . Esta revista foi responsável por divulgar as novas idéias artísticas, foi um eixo de coesão entre eles e em seu primeiro número publica um artigo chamado A nova plástica na pintura. Nele seus editores explicam a motivação deste novo movimento. Em alguns momentos a revista assumia ares de manifesto devido a sua influencia nos meios artísticos.
Na necessidade de uma clareza, de uma ordem, está o propósito desta nova expressão artística que tem como principais características o abandono da tridimensionalidade e da arte como representação. A ordem fundamental do De Stijl era horizontal e o vertical, abstracionismo total, a redução da forma ao mínimo através de linhas geométricas,. Para eles a diagonal acabava com o equilíbrio horizontal-vertical e nunca poderia ser usada. Cores primárias e puras como o azul, vermelho e amarelo, além do branco, preto e cinza eram usadas. Tudo isso rejeitando a subjetividade e criando novos caminhos para a arte. Este novo movimento assumia um ar quase religioso de seus seguidores, pois eles acreditavam que existiam leis que regiam a expressão artística e que ela teria o poder de harmonizar as relações entre os indivíduos e o ambiente. Sem dúvida foi um marco na arte moderna influenciando, não só as artes plásticas como também o design e a tipografia.
Mas para entendermos melhor esta transformação nas artes, precisamos entender o contexto histórico da época. Apesar do curto tempo de vida (1917 – 1931), o De Stijl nasceu em meio a um turbilhão de acontecimentos que sacudiam o mundo. O caos do pós Guerra que tomava conta principalmente da Europa, e a necessidade de uma ordem que enfatizasse a construção e a funcionalidade levou os artistas à criação desta nova linguagem estética. Influenciados pelo cubismo que introduziu pela primeira vez a noção de abstração da forma; a austeridade e o idealismo do protestantismo holandês; o teosofismo do qual Mondrian era membro formaram a bases para o surgimento do De Stijl.
O movimento teosófico, fundado por Helena Petrovna Blavatsky (1831-1891) pregava o fim do conflito entre espiritualidade e ciência ao aplicar o conceito de evolução a uma escala cósmica – todo o universo estaria evoluindo, não só as espécies, e nós também estaríamos vivendo sucessivas encarnações rumo à perfeição. A teosofia também percorre o trabalho do matemático M.H.J. Schoenmaekers, e no seu tratado “Matemática Expressiva”, influencia fortemente a concepção artística de Piet Mondrian na fase inicial do Neo-Plasticismo. O De Stijl toma ares de “messiânico” ao combinar filosofia e religião. É a busca da beleza universal, da harmonia perfeita que só poderia ser alcançada quando os seus seguidores obedecessem às ordens da produção artística que previam uma arte não-figurativa. A arte deveria apresenta-se de forma abstrata, pois assim como ela expressava o espírito humano, nada do que era figurativo se combinava a ela.
O movimento De Stijl pode ser dividida em três fases:
- 1º fase de 1916 a 1921, formativa e centrada na Holanda.
- 2º fase de 1921 a 1925, de maturidade e de disseminação Internacional.
- 3º fase de 1925 a 1931, de transformação e dissolução final.

Gerrit Rietveld. Cadeira vermelha e azul. 1923. Madeira pintada. MOMA, New York.

No início desta primeira fase Mondrian, que foi o mentor intelectual do movimento, não produziu nenhuma pintura, antes escreveu o seu ensaio teórico divulgando seus pensamentos neoplásticos. Em um momento intelectualmente novo, Mondrian faz uma série de composições que consistiam em planos flutuantes, retangulares e coloridos. Em 1917 a estética neoplástica ganha projeção em três dimensões reais com a famosa cadeira vermelha e azul desenhada por Gerrit Rietveld. O que mais chama a atenção nest obra é o uso de cores primárias em conjunção com uma armação linear preta. Foi ele (Rietveld) quem primeiro estabeleceu este sistema cromático. Com esta cadeira pode-se demonstrar uma organização espacial arquitetônica que influenciou toda estética da época. Outra cadeira famosa foi a cadeira de Berlim, projetada em 1923. Em tons de cinza, ela abriu caminhos para uma série de outros objetos utilitários desenhados por Rietveld. Nesta primeira fase, não houve produção arquitetônica. Somente na segunda fase começaram as primeiras construções com design De Stijl.

Theo van Doesburg, Cornelis van Esteren. Contra-Construction Project. 1923. Guache sobre papel. Edgar Kaufmann, Jr. Fund.

A partir de 1921, o grupo De Stijl sofreu mudanças radicais. Rietved se dedica ao design e constrói sua clientela em Utrecht, enquanto que van Doesburg promove o estilo no estrangeiro. Novos membros juntam-se a eles e somente um era holandês, o arquiteto Cor van Esteren, os outros eram respectivamente um russo o outro alemão, o arquiteto El Lissitzky e o diretor de cinema Hans Richiter. A influência de Lissitzky foi importante para a arquitetura. Logo Van Doesburg procura incorporar seu estilo ao De Stijl e publica, em 1922, o conto tipográfico chamado A história de Dois Quadrados. Em 1923 o movimento começa a cristalizar-se quando van Doesburg e Cor van Esteren expõe seus trabalhos em Paris e, mais tarde, em Nancy. A produção de trabalhos, quase que exclusivamente arquitetônicos, aumenta significativamente. O arranjo assimétrico e dinâmico; a explosão espacial; áreas retangulares coloridas em baixo relevo; a adoção de cores primárias eram as características marcantes das construções.

Café L’Aubette, Estrasburgo.

A terceira fase de atividade do De Stijl foi marcada com a saída de Mondrian do grupo. Um desentendimento entre ele e van Doesburg por causa da introdução de linhas diagonais em seus trabalhos, foi o estopim do rompimento em 1924. Isto desestabilizou a unidade inicial do grupo. Mas em 1928, Van Doesburg fez a sua mais importante obra, o Café L’Aubette em Estrasburgo. Importante e polêmica, dada a sua declaração onde ele disse que o verdadeiro lugar da cor é na arquitetura e pintura, sem construção arquitetônica, não tinha razão de existir. Esta foi a última obra arquitetônica neoplástica verdadeiramente significativa. A partir daí, os artistas que ainda compartilhavam de seus pensamentos foram se afastando e aderindo ao novo pensamento da nova objetividade antiarte, interessando-se na realização técnica de uma nova ordem social. O ideal neoplástico entra em declínio, primeiro por incoerências internas, depois pelo impacto da pressão cultural externa.
Theo van Doesburg morre aos 48 anos, e com ele o espírito neoplástico. Mondrian continuou ativo demonstrando sozinho, o equilíbrio de sua visão de extraordinária riqueza. Depois disso Mondrian participou e influenciou do grupo Abstract-Création em Paris(1931) juntamente a Naum Gabo (1890-1977) e Antoine Pevsner (1884-1962). Já em Nova Iorque e sob a influência do jazz americano, pintou o famoso quadro Broadway Boogie-Woogie. Destacou-se como um dos grandes pintores do século XX e influenciou muitas gerações e correntes abstratas de arte contemporânea. As composições de Mondriam entraram no imaginário popular e passaram para a indústria cultural.Tornou-se um ícone pois exerceu muita influência na arquitetura, desenho industrial, pintura e escultura. Muitas peças produzidas foram caracterizadas de moderna através do intercâmbio do movimento Bauhaus, De Stijl fixou-se não apenas em uma corrente de arte, mas um determinado movimento para transformar todos os aspectos da existência.

Nike, DUNK MONDRIAN.

Os ecos deste movimento são ouvidos ainda hoje, influenciando a moda, a arquitetura e o design. Recentemente a Nike lançou um modelo chamado DUNK MONDRIAN, que mistura canvas e couro lixado nas cores das obras neoplasticistas que imortalizaram a obra de Mondrian. Na moda, Yves Sant Laurent em 1965, lançou um vestido inspirado nas mesmas composições.

Yves Sant Laurent.

BIBLIOGRAFIA:
Stangos, Nikos (org), Conceitos de arte moderna. Jorge Zahar Editor, Rio de Janeiro, 1988.
www.itaucultural.org.br
cartazespaisesbaixos.blogspot.com
http://www.ufpel.tche.br/cic/2007/cd/pdf/LA/LA_02035.pdf
http://brasiliavirtual.info/tudo-sobre/neoplasticismo

Hélia Barbosa de Meneses
Maria de Fatima da Silva Cabral
Solange da Silveira Azevedo Reolon - 5° período – licenciatura – Artes visuais.

Mondrian e De Stijl

2009-07-07T11:55:00.000-07:00

Exemplo da revista De Stijl.Projeto gráfico de Theo Van Doesburg.

Nos anos de 1940-1914 na Rússia, estavam em andamento às pesquisas construtivistas e suprematistas. Na Holanda, Piet Mondrian voltava seus interesses para esta direção. Segundo o historiador da arte Mario de Micheli, observando os primeiros quadros de Mondrian que vão do inicio de 1900 a 1911 “não se tem a impressão de se estar diante de um pintor de fortes dotes naturais”, pois seus quadros até então revelam mais um senso de nitidez do que uma viva força expressiva. Impressão que perdura em suas pinturas cubistas do período de 1911 – 1914. A menor força pictórica de Mondrian pode ser observada quando comparando suas telas com as de Picasso e Braque do mesmo período.
O modo gradual como Mondrian chegou a abstração pode ser acompanhada através de uma serie de telas com o mesmo tema: uma arvore que passa do naturalismo ao liberty, desta a uma fase fovista, então a uma cubista e então a fase cubista-abstrata. O processo como ele chega a abstração é um processo de natureza empírica: ele retira progressivamente do objeto suas informações até reduzi-lo a um esquema simples e fazê-lo desaparecer restando na tela apenas um espectro da realidade.

Por volta de 1917, em Laren, Holanda, Mondrian conhece Theo Van Doesburg e do encontro dos dois surgiu a revista De Stijl, que reuniu em pouco tempo a produção européia de arte abstrata. O primeiro número publicado continha um longo ensaio de Mondrian Sobre a nova plástica da pintura, que continuará por alguns números. Aparecem ao lado do nome de Mondrian os nomes de, Van der Leck, Antony Kok e do arquiteto J.J.P. Oud, e nos números seguintes já os nomes de Severini, Archipenko, Vantongerloo, Brancusi e Van Doesburg. De dezembro de 1918 a junho de 1919, são publicados outros três ensaios fundamentais de Mondrian que serão editados na França no ano seguinte sob o titulo O neoplasticismo: principio geral da equivalência plástica.

Ainda segundo de Micheli, grande parte do mérito da difusão das idéias do De Stijl se devem a Van Doesburg que em 1920 fez uma viagem de divulgação a Paris e outras principais cidades européias organizando conferências e fazendo contato com artistas e arquitetos, servindo então para a internacionalização do movimento. “Ele foi o verdadeiro organizador do movimento que, por sua vez, devia a sua mais exata formulação ideal a Mondrian”. (p. 249)

Piet Mondrian.Composição A: Compositição com branco, vermelho cinza preto, amarelo e azul, 1920.Oléo sobre tela, 91.5 x 92 cm.Galeria nacional de arte moderna e contemporânea, Roma.

O Primeiro Manifesto do movimento apareceu no número 2 da revista De Stijl de 1918, o Segundo Manifesto dedicado a literatura, no número 3 de 1920 e o Terceiro Manifesto no número 4 de 1921. Nestes Manifestos aparece a tese do que seria a vida para Mondrian, que por sua vez não era concebida como para os dadaístas – aberta, ativa, provisória, comprometedora. Era então como para Malevitch ou Kandinsky. Pura atividade interior. Daí então a necessidade de eliminar na arte a presença do mundo objetivo, enquanto a realidade objetiva é algo de estranho a nossa consciência. Extraindo o objeto na arte, esta se aproxima cada vez mais da verdadeira consciência interior. Chegando a abstração total, a arte desaparecerá absorvida pela vida do espírito e identificando- se com ele. Em suma: “a arte será vida, deixando de existir como arte”. (p. 249)

Para os seguidores do De Stijl, a arte deveria enunciar uma realidade de harmonia e de rigor a ser imposta a desordem do mundo objetivo. Era indispensável abolir as formas pelas quais a subjetividade e o individualismo pudesse se manifestar. A reta, vertical e horizontal, deveria ser a única medida estilística permitida ao neoplasticismo, assim como era necessário evitar toda lembrança de pincelada emocional ou de exteriorização imediata da cor na tela.

Por volta de 1925 Mondrian se separa de Van Doesburg e Vantongerloo. Mondrian via na introdução da linha diagonal efetuada por Van Doesburg e da linha curva efetuada por Vantongerloo na escultura uma verdadeira volta as forças arbitrárias das paixões e do individualismo, segundo ele raiz de todos os males modernos.
Em decorrência da ruptura, Mondrian não mais colaborou com o De Stijl e aproximou-se da Bauhaus e de Gropius.

Theo Van Doesburg, Counter-composition V, 1954.

MICHELI, Mario de. As vanguardas artísticas. São Paulo: Martins Fontes, 2004.

ARGAN. Giulio Carlo, Arte Moderna. São Paulo: Companhia das letras, 1992.

David Araújo da Silva - Licenciatura em Artes Visuais.

CONSTRUTIVISMO I

2009-07-07T11:33:00.000-07:00

,El Lissitzky, cover of Broom, 1923.serigrafia.

Em decorrência do futurismo italiano e do cubismo francês nasce um movimento que traz o reflexo das alterações causadas pela revolução industrial na arte e na sociedade. O Construtivismo acontece entre 1913 e 1930, na Rússia, provocando uma fissura com a arte que se caracteriza pela representação do real, buscando uma idéia de arte racional e científica. De certo modo, podemos dizer que o surgimento do construtivismo esteve intimamente ligado as contradições políticas e sociais da primeira metade do século XX. Os artistas vinculados a este movimento buscavam diferenciar suas manifestações artísticas daquilo que se entendia por arte engajada, assim como também da chamada arte pela arte. O construtivismo não tem conteúdo específico a comunicar, não possui o objetivo de convencer e sim a disseminação da arte.
Sendo contrários a denominada arte elitista, os artistas do construtivismo modificaram até mesmo seu vocabulário, eliminando assim conceitos que pudessem ter caráter hierarquizante. O artista seria o construtor, o propositor, o operário trabalhando em conjunto com o arquiteto e o engenheiro, não mais criando e sim construindo arte. Esta mudança de vocabulário não era apenas um capricho, mas uma mudança de postura. Seduzidos com as novidades trazidas com progresso técnico e tecnológico exploravam materiais de origem industrial e diversos recursos gráficos. Seus suportes, isto é, os locais onde preferencialmente são encontrados os traços do projeto estético do construtivismo são os cartazes, fotomontagens ou em outras ilustrações. Essas formas tinham um caráter elementar, agregavam figuras geométricas e elementos tipográficos criando um novo conjunto imagético de agrupamento de informações.

Alexandrer Rodchenko,Costrução Espacial n. 12, 1920, Madeira, parcialmente pintada com tinta de alumínio, arame.Museu de Arte Moderna de Nova Iorque.

Neste conjunto de ideais de construção de uma nova arte, o desenho, a pintura e a escultura eram utilizados como ferramentas de projetos de posteriores objetos ou estruturas arquitetônicas. El Lissitzky (1890-1941) com o conceito de Proun, que é uma sigla que significa em sua tradução “novos objetos de arte”, orienta uma maneira de conceber os objetos, ele divide em etapas o processo de construção que consiste na concepção de um projeto em desenho ou planta e posteriormente um protótipo tridimensional ou maquete, e finalmente o objeto ou estrutura arquitetônica, ele tem um trabalho diversificado focando-se principalmente na arquitetura, projetos de mobiliário e em ilustrações para revistas. Vladimir Tatlin (1885- 1953) trabalhou em diversos projetos em metal industrializado, arame, madeira, plástico e vidro e foi professor no instituto dos Silicatos, teve algumas experiências com cinema e na construção de planadores e também realizou projetos de cenários no teatro. Alexander Rodchenko (1891-1956) realizou trabalhos na concepção de cartazes, projetos de móveis e objetos, ilustrações para revistas e pesquisas em tipografia. Em 1918 foram criadas as Oficinas de Arte Técnicas Superiores chamadas VUKhUTEMAS (de Vishe KhUdozhestvenny TeKnicheskoy Masterkoy) onde muitos construtivistas tinham ateliês e lecionavam, posteriormente o que posteriormente influenciou cursos da Bauhaus (alemã).

Vladimir TatlinMonumento a Terceira Internacional, 1917-1920
Madeira.Royal Academy of Arts, Londres.

Um dos mais significantes ícones do construtivismo é também um símbolo em homenagem a Revolução de 1917. O Monumento a Terceira Internacional foi um projeto de Tatlin que em si traria o entrelaçamento da pintura, escultura e arquitetura, nunca passou de um protótipo. No entanto, as dimensões grandiosas e as formas arrojadas (na forma de uma gigantesca espiral) demonstram a euforia e entusiasmo dos construtivistas com a Revolução Russa. Advogavam uma arte própria ao novo mundo que se abria, própria à nova idade que principiava diante de seus olhos; não era mais tempo de sonhar, o mundo desejado necessitava de construtores, a união entre proletariado e a arte deveria ser construídas não com a intuição e o devaneio do gênio, mas com a engenhosidade do artista-construtor.

Adriana M. Rufino,
Célia Mari Gondo,
Reijane O. Cunha

Construtivismo II

2009-07-07T10:49:00.000-07:00

Nikolai Punin. Pamiatnik III Internatsionala . 1920. Ilustração tipográfica, 28 x 21,9 cm. MoMA, EUA.

O construtivismo como movimento artístico ocorreu entre 1913 e 1930, na Europa, principalmente na Rússia. Foi o movimento dentro da arte moderna que mais esteve ligado à ideologia marxista. O artista vinculado a seus projetos visava contribuir socialmente ao suprir as necessidades físicas e intelectuais da nação. Para concretizar estas idéias atuaram nas mais diversas áreas desde à produção de máquinas e utilitários até a criação de meios gráficos de comunicação. Alguns artistas que estiveram associados às idéias e propostas construtivistas foram Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, El Lissitzky e Naum Gabo.
Utilizavam de formas geométricas simples para construir narrativas e representações através de cartazes, ilustrações de livros e revistas e projetos arquitetônicos. Ao seguir uma estética anti-naturalista e de ordem matemática pretendiam criar uma conexão entre arte, técnica e tecnologia. O artista tornava-se um designer criativo trabalhando conjuntamente com cientistas e engenheiros. Valorizavam a construção da obra em oposição à composição. Para o construtivismo, a pintura e a escultura eram pensadas como construções - e não como representações.

Alexander Rodchenko. Cartazes. 1933. Fotomontagem e ilustração.

Alexander Rodchenko. Cartazes. 1933. Fotomontagem e ilustração.

Defendiam as formas puras e elementares sem o excesso de ornamentos da arte do passado. A escultura foi a grande beneficiada pela contribuição construtivista que modificou a noção tradicional de "esculpir". O construtivismo apresenta a idéia de "construir" usando materiais naturais e sintéticos oferecidos pela industrialização. As obras se apresentam como objetos compostos de elementos geométricos em materiais diversos como metal, vidro, papelão, madeira, acrílico, plástico, etc. O aparecimento de novos materiais implica na geração de novas técnicas e sistemas de construção que, por sua vez, determinam o surgimento de novas estruturas e aparências.
Para Alexei Gan, um dos teóricos do movimento construtivista, o objetivo principal destes artistas era partir de problemas concretos da sociedade para construir uma produção baseada em ciência e técnica. As proposições de Marx também ressoavam de forma intensa no grupo já que o modo de produção material determinava os processos sociais, políticos e intelectuais da vida.
A distinção entre “Belas-Artes” e “artes práticas” perdeu sua força com os construtivistas que buscaram atuar em muitos campos como da produção de utilitários e roupas, cinema, cenografia, arquitetura, tipografia e projetos de cartazes, ilustrações e revistas. Nesse sentido, contribuíram imensamente através dos meios de comunicação e propaganda com o regime comunista da Ex-URSS. Os artistas construtivistas russos entusiasmaram-se por uma forma de arte despida de aura, mais próxima do povo e a serviço do bem comunitário, atuando na direção utilitária do desenho industrial e arquitetura.

Rodchenko. Preto sobre preto. 1918. Óleo sobre tela, 81,9 x 79,4 cm. MoMA, EUA.

A obra de Alexander Rodchenko (1891-1956) é um exemplo de atualização do programa construtivista e produtivista russo. Das pesquisas iniciais, em estreito diálogo com as pinturas abstratas e geométricas de Malevich, o artista passou às construções tridimensionais por influência de Tatlin, encontrando posteriormente na fotografia um meio privilegiado de expressão e registro pictórico da nova Rússia. Sua perspectiva fotográfica original influenciou de perto o cinema de Sergei Eisenstein (1898-1948).
Outras realizações das propostas construtivistas podem ser encontradas nos projetos de Aleksandr Aleksandrovic Vesnin (1883-1959) para o Palácio do Trabalho e para o jornal Pravda e, sobretudo, no Monumento à Terceira Internacional, de Tatlin (1885-1953), exposto em 1920, mas nunca executado - seria erguido no centro de Moscou. De ferro e vidro, a gigantesca espiral giraria sobre si mesma, concebida para ser também uma antena de transmissão radiofônica, é descrita pelo artista como "união de formas puramente plásticas (pintura, escultura e arquitetura) para um propósito utilitário".

Vladmir Tatlin. Projeto do Monumento à Terceira Internacional. 1920.

Em 1918 fundaram um programa de treinamento de artistas-projetistas através das escolas denominadas de Vkhutemas. O programa foi organizado inicialmente por Kandinsky que depois irá utilizar dos mesmos princípios para fundar e nortear a Bauhaus na Alemanha. O Construtivismo esteve em disputa com o Suprematismo tanto no campo verbal quanto artístico. De um lado achavam-se os que acreditavam que os trabalhadores da arte deveriam servir as massas, usar técnicas e materiais industriais, como Rodchenko, El Lissitzky e Tatlin. E do outro lado, os que viam na arte não figurativa uma poesia pura, liberada de ideologias, proclamada por Malevich e apoiada pelos irmãos Pevsner. Estas disputas seguiram ao longo da existência destes movimentos e permitiu o surgimento de novas propostas artísticas em outros países.

El Lissitzky. Beat the Whites with the Red Wedge. 1919.

Muitos projetos construtivistas não foram executados em parte por um grande atraso industrial e tecnológico da própria Ex-URSS e também por diversas limitações econômicas do próprio Estado russo. A partir de 1921 uma nova política econômica instalada por Lênin passou a questionar a utilidade do movimento construtivista o que contribuiu para diminuir sua força e atuação.

Referências bibliográficas
Arte e construtivismo. Disponível em: .
Construtivismo russo. Disponível em: .
Construtivismo. Enciclopédia Itaú Cultural – Artes Visuais. Disponível em: .
Exposição “The Russian Avant-Garde Book 1910-1934”, MoMA, New York, EUA. Disponível em: .
Exposição “Virada Russa 1900-1930”, CCBB, Brasília. Disponível em: .
IAMAMOTO, Ricardo; MOREIRA, Renata. Construtivismo. Disponível em: .
SCHARF, Aaron. Construtivismo. In: STANGOS, Nikos (org.). Conceitos da arte moderna. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1995.

Bárbara Lopes
Laiz Galvão
Renata Siquieroli
Tatianny Leão Coimbra - Artes Plásticas bacharelado / 5º período

Suprematismo

2009-07-07T08:08:00.000-07:00

Malevich - Quadro Preto e Quadro Vermelho-71x45 cm -1915 -The Museum of Modern Art- New York.

Movimento de vanguarda russa de 1913 - sistematizado em 1925 através do Manifesto Do Cubismo ao Futurismo ao Suprematismo: O Novo Realismo na Pintura de Kazimir Malevich (1878-1935).

Malevich-Suprematismo-1910.

O Suprematismo se caracterizou pelo emprego de cores puras, isto é, defendeu a idéia da pura visualidade plástica e livre de finalidades práticas. Além disso, desfez-se da prática de imitar a natureza, do ilusionismo das formas, da observação da luz, do uso da cor naturalista do impressionismo e do conceito de mundo objetivo do cubismo.
Malevich ficou impressionado com a idéia da quarta dimensão, do matemático Ouspensky, que afirmou a existência de um mundo visível por trás de outro mundo. Assim, o Suprematismo conceberia essa verdade de mundo não objetivo que possui uma escala de superioridade entre fenômenos.
Ao contrário de Vassily Kandinsky, Malevich entendeu o espiritual como sendo as formas puras. Realizou pesquisas metódicas sobre a estrutura da imagem, buscando atingir a “forma absoluta”.

Malevich-Cruz Preto- 42x42 cm -1923.

Malevich afirmou:
“Eu me transformei no zero da forma e me puxei para fora do lodaçal sem valor da arte acadêmica. Eu destrui o circulo do horizonte e fugi do circulo dos objetos, do anel do horizonte que aprisionou o artista e as formas da natureza. O quadrado não é uma forma subconsciente. É a criação da razão intuitiva. O rosto da nova arte. O quadrado é o infante real, vivo. É o primeiro passo da criação pura em arte”. (WWW.itaucultural.org.br)

Foi assim que as novas formas abstratas, geometrizadas, tornaram-se a visão de um futuro industrializado, que abandonava as velhas formas sociais e políticas para construir um novo mundo.

Malevich-Quadro Branco sobre Fundo Branco-1918.

É notório que o maior expoente do Suprematismo foi Malevich. Em 1918 apresentou ao público seu trabalho Quadrado Branco sobre Fundo Branco (MOMA, Nova York). A sua preocupação fundamental foi a realização plástica pura da noção de espaço, ou seja, a relação entre as formas e o espaço que as circunda.

Malevich- Quadro Preto sobre Fundo Branco-1918.

Os trabalhos de Malevich caracterizaram-se pela simplicidade das formas geométricas básicas (quadrado, retângulo, triângulo e círculo e, ainda, a partir da forma da cruz), e pelo emprego de uma gama cromática restrita, constituída pelas cores primárias e secundárias e pelo branco e preto. Tais como: O Amolador de Facas (1912), Quadrado Preto (1915), Quadrado Vermelho (1915), entre outras.

El Lissitzky - Proun - 1920.

Outro artista de grande nome do Suprematismo foi o soviético El Lissitszky (1890-1941). Era pintor, designer e teórico. Conquistou seu público com suas ilustrações e tipografias, arquitetura, decoração, entre outras atividades artísticas. Suas obras Bater nos Brancos com Cunha Vermelha (1920) e Instalação (1920) demonstraram sua identificação com o Movimento Suprematista.

Malevich-Suprematismo-1910.

Por longo período Malevich continuou influenciando outros movimentos como o Construtivismo. Quando anunciou o esgotamento do projeto deste movimento, Malevich voltou-se para o ensino, a escrita, e a produção de tridimensionais. O Suprematismo chegou ao fim.
No Brasil, parte da obra de Malevich esteve presente na 22ª Bienal Internacional de São Paulo, de 1992.

Referências bibliográficas:

STANGOS, N. – Conceitos da Arte Moderna. Suprematismo, p 121. Zahar Ed. Rio de Janeiro – RJ, 2000.
NET: WWW.itaucultural.org.br
NET : www.google.br/imagens

Rosana Alves de Souza
Doralice Gonçalves S. Lariucci
Mario Sergio de Souza

O Surrealismo: breve história

2009-07-07T06:09:00.000-07:00

Hieronymus Bosch - as tentações de santo antônio (painel interior central) - Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa.

Surrealismo é um termo que comporta duas definições.
A primeira, filosófica e mais ampla, se refere ao interesse artístico pelo elemento imaginativo, onírico, absurdo, irracional e fantasioso da existência. Entre os principais representantes dessa corrente ao longo da história da arte estão Hieronymous Bosch, Francisco Goya e Salvator Rosa. Na obra destes artista, no entanto, o tema surrealista é ordenado por técnicas e métodos racionais, e há consideração pela tradição artística mais ampla.

Salvador Dalí - A persistência da memória (1931), óleo sobre tela.

A definição mais estreita diz respeito ao movimento artístico específico surgido no século XX, sediado em Paris, que além de tematizar a fantasia e o onírico ambicionou desafiar a própria e a instituição da história da arte: as próprias técnicas e métodos do grupo aspiravam ao absurdo. É deste movimento em específico que falaremos.

René Magritte - a condição humana (1935), óleo sobre tela.

O surrealismo foi formado em sua grande maioria por artistas antes envolvidos no movimento Dada. André Breton, por exemplo, fundou em 1919 o jornal Littérature juntamente com Louis Aragon e Phillipe Soupault, juntando-se às atividades dadaístas. Breton havia servido na 1ª Guerra em um hospital neurológico, onde aplicava as técnicas freudianas no tratamento de pacientes traumatizados pelo combate.

André Masson - Desenho automático (1924). tinta sobre papel, MoMA, New York.

Em um primeiro momento as pesquisas e atividades desenvolvidas eram de caráter exclusivamente literário. Visando aplicar a recém-desenvolvida psicanálise à literatura, Breton e seus sócios começaram a experimentar com escrita automática: a arte era vista como um meio para superar as barreiras impostas pela razão e pela mente consciente e acessar o potencial ilimitado de criação do subconsciente. Aos poucos um núcleo de escritores e dramaturgos foi se formando ao redor de Breton, Aragon e Soupault, núcleo esse que incluía Antonin Artaud, Paul Éluard, Benjamin Péret, e Raymond Queneau. Todos tinham seus mentores espirituais e artísticos em Freud, Trotsky, Rimbaud, Edgar Allan Poe, Apollinaire, Germain Noveau, Baudelaire, Alfred Jarry e Lautreamont (cuja obra Soupault descobriu por acidente em uma livraria de Paris, em 1917, e ajudou à popularizar).

Max Ernst - L'Ange du Foyer ou le Triomphe du Surréalisme (1937), óleo sobre tela. Coleção privada.

Apesar da dúvida inicial acerca do potencial das artes visuais para a expansão do surrealismo, a descoberta das obras de Max Ernst e De Chirico logo mostraram a vastidão desse potencial, lançando as bases para o desenvolvimento da estética visual surrealista. Artistas como os próprios Max Ernst e De Chirico, o americano Man Ray, Hans Arp, André Masson, Marc Chagall, Joan Miró, Francis Picabia e mesmo Picasso e Braque contribuiriam para o enriquecimento da escola. Experimentos seminais com técnicas de automatisto e junção de mídias diversas foram realizados no campo da pintura, colagem, escultura, performance. Embora houvesse claras diferenças entre a produção de tão diversos artistas, a temática onírica e fantasiosa, revolucionária nos costumes e na crítica intensa à sociedade burguesa, os unia.

Giorgio de Chirico - Ettore e Andromaca (1973), escultura. Osaka, Japão.

Em 1925 ocorre a primeira grande exposição surrealista, que junto os artistas que já trabalhavam sob o rótulo de surrealistas a pintores vindos do dadaísmo. Logo no ano seguinte foi inaugurada a Galeria Surréaliste, um espaço fixo onde os artists do movimento pudessem expor seus trabalhos. De início a exposição contava com fotografias de Man Ray e esculturas primitivas da Oceania (uma grande influência para o movimento, análoga à influência da arte africana sobre o cubismo). Uma coletânea de artigos de Breton foi publicada em 1928; um Segundo Manifesto Surrealista, em 1929; diversas exposições foram organizadas em grandes centros de vários países. Daí em diante a estética estava plenamente estabelecida, e sua influência se alastraria por mídias artísticas e países diferentes por toda a Europa e, a longo prazo, no mundo inteiro.

Salvador Dalí - Rinoceronte vestido con puntillas (1956), escultura.

O advento da 2ª Guerra Mundial faria com que os membros do grupo se refugiassem em diversas partes do mundo, em especial os Estados Unidos. A dissolução oficial do grupo, no entanto, veio em 1940.

Obras consultadas

CHIPP, Herschel B. Teorias da Arte Moderna. São Paulo: Martins Fontes, 1999.

READ, Herbert. Uma história da pintura moderna. São Paulo: Martins Fontes, 2001.

WILLER, Cláudio (org.). Escritos de Antonin Artaud. Porto Alegre: L&PM, 1983.

Enderêço para visualização de mais fotos: http://www.flickr.com/photos/40192571@N07/

Beta da Costa Melo
Hudson Rabelo

Surrealismo

2009-06-29T11:19:00.000-07:00

Rene Magritte - Mermaid. 800 x 513cm.

A palavra surrealismo havia sido criada em 1917 pelo poeta Guillaume Apollinaire (1886-1918), ligado ao Cubismo, para identificar expressões artísticas, e foi adotada pelos surrealistas por refletir a idéia de algo além do realismo.
“O sonho é a estrada real que conduz ao inconsciente”, escreveu Freud em sua obra-prima A Interpretação dos Sonhos (Die Traumdeutung). O livro levou dois anos (1898 e 1899) para ser escrito e nele Freud edificou os principais fundamentos da teoria psicanalítica, constituindo como o ponto de apoio para todo o desenvolvimento posterior da sua obra. Para Freud, a essência do sonho é a realização de um desejo infantil reprimido. E foi a partir desse princípio que ele elaborou as bases do método psicanalítico, onde suas implicações tiveram larga repercussão na formação do homem contemporâneo.

As experiências surrealistas foram determinadas por Freud, onde o surrealismo retém essencialmente aquilo que tende a dar uma base científica às pesquisas sobre a origem e as mudanças das imagens ideológicas. É nesse sentido que o surrealismo atribuiu uma importância particular à psicologia no processo do sonho assim como Freud a explicou.

Segundo Micheli, o que o dadaísmo não pudera fazer por sua própria natureza o surrealismo se encarregou de tentar fazê-lo. O dadaísmo encontrava as sua liberdade na prática constante da negação; o surrealismo procura dar fundamento à uma doutrina a essa liberdade. De certa forma o surrealismo substitui a refeição total, espontânea, primitiva de dada, pela pesquisa experimental, científica, baseada na filosofia e na psicologia. Em outras palavras opõe ao anarquismo puro um sistema de conhecimento.

A publicação do Manifesto do Surrealismo, assinado por André Breton em outubro de 1924, marcou historicamente o nascimento do movimento. Nele se propunha a restauração dos sentimentos humanos e do
instinto como ponto de partida para uma nova linguagem artística. Para isso era preciso que o homem tivesse uma visão totalmente introspectiva de si mesmo e encontrasse esse ponto do espírito no qual a realidade interna e externa sem contradições.

O “automatismo”, portanto, é a palavra-chave como característica do surrealismo. Considerado uma corrente artística moderna da representação do irracional e do subconsciente. Este movimento artístico surge todas às vezes que a imaginação se manifesta livremente, sem o freio do espírito crítico, o que vale é o impulso psíquico. Os surrealistas deixam o mundo real para penetrarem no irreal, pois a emoção mais profunda do ser tem todas as possibilidades de se expressar apenas com a aproximação do fantástico, no ponto onde a razão humana perde o controle.

Por meio do automatismo, ou seja, qualquer forma de expressão em que a mente não exercesse nenhum tipo de controle, os surrealistas tentavam plasmar formas abstratas ou figurativas simbólicas, as imagens da realidade mais profunda do ser humano: o subconsciente.
Os principais artistas do surrealismo foram: Salvador Dalí, Man Ray, André Masson, Joan Miró, Pierre Roy e René Magrit. Eles conseguiram fortalecer a corrente artística moderna do irracional e do subconsciente.
Salvador Dalí foi quem teve maior destaque no surrealismo, onde tentou plasmar formas abstratas ou figurativas simbólicas as imagens da realidade mais profunda do ser humano: o subconsciente. O artista trabalhava com a distorção e justaposição de imagens conhecidas.

Juan Miró. Harlequin's Carnival -1924-25. Oil on canvas. 66 x 93 cm.

Bibliografia

MICHELI, Mario de; As vanguardas artísticas do século XX – São Paulo: Martins Fontes, 1991.
A.BRETON, Position politique du surréalisme, Ed., p.97
http://www.pitoresco.com.br/art_data/surrealismo/index.htm

Alunas: Janaína Mocó Lima e Vânia Moura
Licenciatura em Artes Visuais

Dadaísmo I

2009-06-27T07:04:00.000-07:00

Durante a 1ª guerra mundial, em 1916, a cidade de Zurique ( Suíça ) era um local neutro e por isso abrigou vários jovens estrangeiros, principalmente alemães e franceses, que não queriam participar do confronto. Esses jovens fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação à incapacidade das ciências, religião e filosofia em interferir na destruição da Europa. Surgiu assim o movimento dadaísta. A palavra Dada, que do francês quer dizer “cavalo de pau” foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan em um dicionário, esse “descaso” revelava a “insatisfação” como a arte, que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra.

Revista Dada, capa.

A criação do “Cabaré Voltaire”, em Zurique, inaugurou oficialmente o Dadaísmo. Fundado pelos escritores alemães Hugo Ball e Richard Huelsenbeck, e pelo pintor e escultor alsaciano Hans Arp, o clube literário, que funcionava ao mesmo tempo galeria de exposições e sala de teatro, promoveu encontros dedicados à música, dança, recitais de poesia e exposição de artes. Mais tarde, a inauguração da “Galeria Dada” e a publicação de revistas “dada” e livros ajudaram a popularizar o movimento.

Raoul Hausmann. ABCD, 1920. Colagem. 15,1 x 10,1 cm. Museu Nacional da Arte Moderna, Paris, França.

A proposta do Dadaísmo é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico, selecionando e combinando elementos por acaso. Sendo a negação total da cultura, o movimento defendia o absurdo, a incoerência, a desordem, o caos e procurava chocar um público mais ligado a valores tradicionais e libertar a imaginação via destruição das noções artísticas convencionais. O objetivo máximo era o escândalo. Politicamente , a arte dada firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. Trata-se de um movimento radical de contestação de valores que utilizou variados canais de expressão: revistas, manifestos, exposições, entre outros.

Marcel Duchamp. Reproduction of L.H.O.O.Q., 1919. Lápis sobre uma reprodução de Mona Lisa. 19,7 x 12,4 cm. Museu de arte da Filadélfia, Estados Unidos.

Na Alemanha, destacaram-se os nomes de Richard Huelsenbeck, Raoul Haussmann, Johannes Baader, John Heartfield, George Groz, Kurt Schwitters e principalmente Max Ernst, que era adepto do irracional, do onírico e do inconsciente. Ele contribuiu muito para a arte dada com colagens e fotomontagens, composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage, que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa, como a madeira de veios salientes, e esfregar um lápis de cor ou grafita, de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele. Posteriormente se tornou em dos grandes nomes do surrealismo.

Max Ernest. A Grande Roda Ortocromática que Faz Amor Sob Medida, 1920. Lápis e tinta sobre papel colado sobre cartão. 48,8 x 27 cm.

A arte Dada costuma ser bastante identificada aos ready-mades de Marcel Duchamp, outro grande nome do movimento. Ready-Made sinifica confeccionado, pronto. Duchamp escolhia objetos ao acaso e , após leve intervenção dava-lhes um título e os colocavam em condição de objeto de arte. Os casos mais conhecidos foram o do urinol de porcelana que o artista chamou de “Fonte” e levou a uma mostra de arte, e o da “interferência” que fez à obra “Mona Lisa”, demonstrando seu desprezo pela arte tradicional.

Marcel Duchamp. Foutain, 1917 (original perdido). Porcelana. 36,0 x 48,0 x 61,0 cm. Museu de Arte da Filadélfia, Estados Unidos.

As obras e atações de Duchamp tiveram a contribuição de Man Ray para a caracterizaçr o grupo dada nova-iorquino. Man Ray foi fotógrafo e desenvolveu sua arte baseado em raiografias e fotogramas, criando imagens abstratas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos sobre o papel fotográfico.

Man Ray. Le Violin de Ingres, 1924. Gelatina prata papel montado sobre. 31 x 24,7 cm. ADAGP, Paris, França.

Outro artista de destaque foi Francis Picabia, com seus poemas nonenses e engenhos mecânicos de índole satírica e sem função. Ele estabeleceu um elo direto com outros artistas atravéz de obras e atuações. Em Barcelona, criou junto a Albert Gleizes e Arthur Cravan “Catalisador” e editou a revista Dada 391. Em Zurique, se associou ao grupo de Tzara e Arp, e em Nova York, foi protagonista do mivimento junto com Marcel Duchamp e Man Ray.

Francis Picabia. Here, This is Stieglitz Here, 1915. Caneta e tinta sobre o papel. 75.9 x 50.8 cm. Museu Metropolitano de Arte, Nova York, Estados Unidos.

Apesar de sua curta durabilidade e das críticas realizadas ao movimento, fundamentalmente baseadas em sua ausência de vocação construtiva, o dadaísmo teve grande importância para a arte do Século 20. Fez parte de um processo, observado nesse século, de libertação da arte de valores preestabelecidos e busca de experiências e formas expressivas mais apropriadas à expressão do homem moderno e de sua vida.

Ana Carolina Almeida de Castro
Cristiane Fernanda de Jesus
Danielle Neres Lima
Eliane Apolinária Alves - Turma: Artes Plásticas

DADAÍSMO II

2009-06-26T12:20:00.000-07:00

Kurt Schwitters.“Estrelas” 1920. Merzbild (colagem de detritos).

O século XX:
ARTE MODERNA
Os estilos mudam a cada década; cresce a tendência para a arte não- representativa.

O mundo ficou Gagá(...) arte entre guerras(...) dominar e escadalizar(...) acordar a imaginação
O jogo do ocaso(...) uma questão de merz(...) Seus sons foram clamorosos, seus sonhos foram chocantes, e sua linguagem era explosiva(...) ensinar aos homens o que esqueci: sonhar de olhos abertos(...) conquista a terra prometida da criatividade.

Dadá, o movimento anti - arte desenvolvido de 1915 a 1922, entre o surto do cubismo(1) , ao qual vai pedir, na generalização para seus próprios fins a técnica dos papéis colocados e o advento do surrealismo(2) , que a ele se segue e cuja a fase negativa preparatória constitui.
É menos um movimento artístico de que revolta intelectual oriunda das convulsões da guerra, uma resposta a violência, a Primeira Guerra Mundial, e ao choque de modernidade.

Foi uma tentativa de fazer uma declaração sobre os valores sociais e culturais das tendências de um mundo contemporâneo enfrentando um período de guerra devastadora.
O grito em Zurique, Suíça, por um conjunto de refugiados diante da realidade da Guerra, artistas que fizeram parte do movimento, lançaram as suas ofencivas contra os direitos sociais, politicos que deram origem a mesma, seguindo a ideologia de acabar com todas as guerras, os dadaístas optaram por subverter toda autoridade e cultivar o absurdo.

Muitos foram os que ajudaram nessa missão, nomeadamente, o poeta romeno, Tristan Tzara, os escritores alemões Hugo Ball e Richard Hulsenbeck, e o pintor e escultor alsaciano Hans Arp fundando o Cabaré Voltaire, juntamento com um club de literatura, sala de exposições e sala de teatro, cujo o nome significa nítidamente o desejo do sarcasmo e da crítica.

Os artistas que fizeram parte desta coletiva do acordar da imaginação, foram, Jean Arp, com a sua organização de papéis coloridos, madeiras gravadas e relevos, com gosto muito seguro das formas livres, nascidas da fantasia e do inconsciente; Max Ernst, fundador do grupo dadaísta de Colonia; Kurt Schwitters, com a publicação da sua revista dadaista e construtivista Merz, e a elaboração de suas colagens frutos do seu àrduo trabalho nas ruas de Hanover pesquisando as sarjetas em busca de coisas caídas, como passagens de ônibus, botões e tiras de papel, combinando estes materiais dando origem as suas obras chamadas Merz.

Jean Arp,“Enak s tears”1917,

O verdadeiro precursor do espirito Dada no sentido destrutivo foi o pintor Marcel Duchamp, sacrificando o seu próprio destino de artista aos principios da inversão, da negação, e do anti – estético. Instalado em Nova York ele criava as suas novas obras de arte, os ready - made(3).

O moviemnto Dadá deu a sua contribuição no universo das artes, ao atribuir a arte um caracter menos intelectual e mais uma incursão no imprevisível.

O movimemnto Dadá deu a sua contribuição no universo das artes, ao atribuir a arte um caráter menos intelectual e mais uma incursão no imprevisível.

1- Movimento artistico da arte do século XX, anos de 1907 e 1914, tendo como fundadores Pablo Picasso e Georges Braque.
O Cubismo tratava as formas da natureza por meio de figuras geométricas, representando todas as partes de um objeto no mesmo plano. A representação do mundo passava a não ter nenhum compromisso com a aparência real das coisas.

2- Movimento artistico dos anos de 1920 surgido em Paris, reunindo artistas anteriormentes dadaístas. O surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa

3- Objetos elevados árbitrariamente a obras de arte.

BIBLIOGRAFIA:

STRICKLAND, Carol. Arte comentada: da pré-hirtoria ao pós-moderno; tradução Angela Lobo de Andrade – Rio de Janeiro: Ediouro, 2004.
STANGOS, Nikos. Org.Conceito de arte moderna. Jorge Zahar, Rio de janeiro, 1994.
MICHELLI, Mario de. As Vanguardas Artisticas. Martins Fontes, São Paulo, 1991.

SITES:
http://pt.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
http://pt.wikipedia.org/wiki/Cubismo

ÉRIKA DILENE SOUSA LOPES RAMOS.
SUZANNI MÁRCIA DE CARVALHO.
LICENCIATURA EM ARTES VISUAIS- 5ºPERIODO

Marcel Duchamp

2009-05-17T16:29:00.000-07:00

Marcel Duchamp. Nu descendo uma escada nº2. 1912. Aquarela, tinta, lápis e pastel sobre papel fotográfico147x89cm.
Filadélfia, Museum of Art

Marcel Duchamp, Nasceu na cidade de Blainville-Crevon, França, em 1887. Filho de uma família burguesa dedicou-se primeiramente a pintura, ao lado de seus irmãos também artistas. A genialidade de Duchamp como pintor pode ser observada na obra Nu descendant un escalier que depois de rejeitado no Salão de Outono de Paris, 1911, fez enorme sucesso no Armory Show de Nova York em 1912. A respeito desta obra Argan afirma que "Na história da arte moderna, este quadro tem uma importância similar à que, cinco anos antes, tivera Les demoiselles d`Avignon, de Picasso”. Diz ainda sobre a tela:

O movimento de uma pessoa que desce a escada é um movimento repetitivo, mecânico, semelhante ao movimento de uma máquina. Ao executá-lo, a pessoa passa do estado de organismo vivo para o de engenho ou máquina; o funcionamento biológico se transforma em funcionamento mecânico. O quadro põe em crise o cubismo analítico. Duchamp declarara-se contrário a uma pintura puramente retínica. Mais tarde abandona a pintura tradicional tornando-se um dos expoentes do movimento dadaísta.

Duchamp era um artista que pensava seu tempo. Questionador, desenvolveu desde cedo o raciocínio lógico e com o passar do tempo sua obra adquiriu características irônicas e contestadoras.
Em 1917 apresenta no Salão da Sociedade Novaiorquina de Artistas Independentes uma obra que mudaria os rumos de toda a arte do século XX. Entitulada “A Fonte”. A obra se trata de um urinol branco, invertido onde está assinado: R. Muth, 1917. Com este ato, duchamp questionava o estatuto da arte em seu tempo, assim como os critérios de avaliação e seleção de obras de arte. O urinol foi um desafio colocado por duchamp a sua época.

Marcel Duchamp. A fonte. 1917. Ready-made, urinol invertido. Altura 60cm.

Marcel Duchamp. Roda de bicicleta. 1913. Ready-made, madeira e metal, altura 126 cm.

O termo ready-made, significa já pronto. Operação onde o artista toma posse de um objeto e o resignifica, dando então a ele estatuto de objeto artistico. O objeto passa do plano funcional para o plano simbólico configurando o gesto mais radical da arte de nosso século. Outro ready-made, “A Roda de Bicicleta, data de 1913, mas A fonte foi o que projetou o nome de duchamp mundialmente.
Os próprios ready-mades foram criados não para serem julgados se são belos ou feios, mas para fazer o espectador refletir sobre o que vê. Seria estúpido discutir sobre sua beleza ou feiúra, porque não são obras mas signos de interrogação ou de negação diante das obras.
Foi convidado para expor em Nova York, na primeira exposição de arte moderna em Nova York, onde ele expõe seu primeiro ready-made, desenhou um bigode na Monalisa de da Vince, ao intervir sobre ela o artista colocou a sua forma de autenticidade na obra.
Para Octávio Paz, em contrapartida, o título da obra, para Duchamp, era elemento essencial da pintura. “Seu fascínio diante da linguagem é de ordem intelectual: é o instrumento mais perfeito para produzir significados e, também, para destruí-los. O jogo de palavras como a linguagem é capaz de destruir e construir, é a obra de Duchamp na qual ele se apropria do quadro da Monalisa e embaixo põe a sigla LHOOQ (sigla que, lida em francês, assemelha-se ao som da frase "Elle a chaud au cul"; traduzida para o português, significa "Ela tem fogo no rabo"), dessacralizando a obra.

Marcel Duchamp. L.H.O.O.Q. 1919. Ready-made, retificado 20x 13cm.

Duchamp vem quebrar as barreiras desta visão tecnicista, onde quem decide o que é arte são os artistas e não os críticos e a seleção.
É o caso de "Fonte", de 1917. Apresentada no Salão da Sociedade Novaiorquina de artistas independentes, constitui-se a partir de um urinol invertido. A operação que o caracteriza é o deslocamento de uma situação não artística para o contexto de arte. Tal operação é marcada por sua apresentação como escultura e assinatura. À inversão física do objeto corresponde a inversão de seu sentido, que se espelha no corpo do espectador.
Duchamp, então pega um vaso sanitário e fala que isso é arte porque eu quero que seja, porque quem decide o que é arte é o artista.
Qualquer obra de arte pode ganhar variadas funções, mas ela não nasce da sua função e sim da sua necessidade .
Miklos, Aline M. S, afirma que, o sistema de relações com a obra é circular porque o espectador participa da obra como produtor, o artista pode ser tanto produtor como observador ou conservador. O espectador como produtor é o que Duchamp descreve em seu ensaio “ O Processo Criativo”: O observador faz parte do sistema que observa, e ao observar e pôr a obra em contato com o mundo externo, transforma a arte em questão. Um exemplo claro desta interação observador-objeto é Duchamp ter colocado um vidro no ‘Grande Vidro’ que refletisse a imagem do observador. O artista como produtor é aquele que escolhe os produtos que serão utilizados em sua obra.
Octávio Paz, afirma também que: “O primeiro produtor da obra é o industrial; o segundo, é o artista que escolheu utilizar um objeto fabricado. O artista identifica-se apenas com uma etapa da produção industrial. Ele faz um aporte ao ready-made mas também ao fabricante.”
Marcel Duchamp, um artista que questionou através de seu trabalho o que é uma obra de arte e propôs um novo método para a sua realização: partindo de idéias, ao invés de partir de assuntos do cotidiano.

Bibliografia

ARGAN, Giulio Carlo. Arte Moderna. Sao Paulo : Companhia das Letras, 1996
CABANNE, Pierre. Marcel Duchamp : engenheiro do tempo perdido. Sao Paulo : Perspectiva, 2001
M. S. Miklos. Mudanças na forma da percepção artística e uma breve análise entre Baudelaire e Duchamp. São Paulo, 2007, artigo publicado nos anais do II Colóquio de Psicologia da Arte realizado pelo departamento de psicologia da USP em 2007.
http://www.ip.usp.br/laboratorios/lapa/versaoportugues/2c36a.pdf
Octávio Paz. Marcel Duchamp: ou o castelo da pureza. São Paulo: Perspectiva, 2004.

Licenciatura em Artes Visuais
Janaína Mocó
David Araújo
Vânia Moura

Duchamp

2009-05-16T11:15:00.000-07:00

Marcel Duchamp. Roda de bicicleta, 1910.

Por volta dos anos de 1960 a arte tomou novos rumos. Mas, nada destas novas idéias e conceitos teriam surgidos se não fossem as vanguardas e os movimentos artísticos que aconteceram anteriormente, como o dadaísmo, e outros movimentos que tornaram as artes em si em campos muito amplos e abertos para todos os meios e veículos de produzir, criar e pensar a arte. Transformando-a em uma arte de idéias e conceitos.
”E depois temos aquele movimento artístico de um só homem, Marcel Duchamp – para mim, um movimento verdadeiramente moderno pois subentende que cada artista pode fazer o que deve fazer – um movimento para cada pessoa e aberto a todos.” Willem de Kooning, declaração feita num simpósio realizado no Museu de Arte Moderna de Nova York, 5 de fevereiro de 1951.Citado no livro Conceitos de Arte Moderna, Nikos Stangos (organizador), Jorge Zahar Editor.
Essas idéias e mudanças não teriam acontecido se não fosse por ele, Marcel Duchamp, o grande revolucionário das artes de todos os tempos. Como cita o livro, Conceitos de Arte Moderna, que já em 1917 o jovem artista que afirmava estar “mais interessado nas idéias do que no produto final”.

Marcel Duchamp. Criação de poeira (Fotografia),decada de 1920.

Duchamp que já passou por vários movimentos artísticos como, fauvismo, impressionismo, expressionismo, cubismo, dadaísmo, com pinturas e esculturas que não lhe renderam tanto reconhecimento. Duchamp resolveu abandonar a Europa e ir para Nova York. De inicio a apresentação de seu quadro - “Nu descendo a escada”- não teve uma boa aceitação, mas logo em seguida, dentro do "Armory Show" exposição que iniciou a arte moderna nos EUA em 1912, o mesmo quadro teve grande receptividade.

Marcel Duchamp. O grande vidro, 1926.

A saída de Duchamp da Europa ajudou muito no desenvolvimento de seu trabalho, pois a Europa ainda estava muito ligada às tradições e ao academicismo que de certa forma impedia o seu desenvolvimento. Duchamp é lembrado como o grande revolucionário das artes em todo o mundo. Pois, depois de Leonardo Da Vinci, ele foi o artista que mais radicalmente transformou o modo de fazer arte. E até que venha outro revolucionário, ele é o grande re-inventor da arte moderna e contemporânea.

Marcel Ducamp.NU descendo a escada, 1912.

Um de seus trabalhos mais conhecidos na pintura - Nu Descendo a Escada – apresenta uma figura geometrizada que está toda desconstruída. Ele colocou estas formas repetidamente lado a lado, dando uma sensação de movimento. Devido a esta sensação de movimento esta obra teve muita semelhança com os trabalhos futuristas. Mas como ressaltou o próprio Duchamp no livro Teorias da Arte Moderna, este seu trabalho não teve nenhuma relação com os futuristas, pois quando Duchamp estava fazendo o Nu os futuristas já estavam expondo seus trabalhos. Ele tinha mais interesse nos cubistas pela decomposição da forma do que do movimento dos futuristas.

Marcel Duchamp. With my tongue in my cheek (fotografia) decada de 1920.

No dadaísmo é que Duchamp começou a se mostrar adiantado de seu tempo, pois ele mesmo disse que passou a perceber mais o seu interior do que o exterior. Era nessa interiorização que ele acreditava que um artista poderia usar qualquer coisa como arte. Como os dadaístas pregavam a negação da arte Duchamp se sentia em casa, pois sua intenção era fugir do aspecto físico da pintura. Ele tinha interesse em idéias e não especificamente em obras visuais. Para Duchamp o dadaísmo foi uma forma de libertação, pois os dadás, como eram chamados os seus seguidores, tentaram mostrar as varias formas de fazer arte, que não fosse ligado com os trabalhos já existentes, na pintura e escultura. Queriam mostrar que na arte também poderia usar fotografias, colagens, performances e até mesmo o próprio corpo.
Embalado pelos dadaístas Duchamp encontrou seu ponto máximo criando os seus ready-mades, que eram objetos comuns como porta garrafas, rodas de bicicleta e até mesmo um mictório, que até então é um dos seus mais famosos ready-mades. Todos esses objetos eram apresentados como se fossem objetos de arte. Duchamp apresentou os ready-mades dotados de valores. Mas se sabe que não era atribuído valor algum os objetos que os compunham. A não ser para aquela função que fora construído.

Marcel Duchamp. O secador de garrafas, 1914

O fato mais marcante de Duchamp foi quando em um concurso de arte promovido nos EUA ele tentou colocar na exposição um urinol, obviamente o trabalho não fora aceito, mesmo ele fazendo parte da comissão julgadora. Mas, Duchamp era esperto! Reenviou o urinol com o titulo de “A fonte” e o assinou com o nome de “R. Mutt”. Sem saber que A fonte era de Duchamp, aceitaram-na para exposição, embora não tenha ganhado nenhum prêmio. Seu ready-made instigou todos os jurados e participantes. Quando Duchamp assinou o mictório, ele mostrou que aquele objeto não tinha nenhum valor artístico até naquele momento, mas que, doravante passou a ter, após o juízo formulado por um sujeito.
Alguns vêem no urinol formas femininas, onde o homem ao fazer suas necessidades lança urina sobre a forma feminina. Pareceu um pensamento machista, mas certamente essa não era sua intenção de Duchamp. Sua intenção era romper barreiras, quebrar paradigmas, mudar o sentido das artes. E mudou! Duchamp reinventou o modo de fazer arte, de ser artista, de pensar a arte. Seu pensamento até hoje vem ganhando seguidores.

Artes Plásticas – Bacharelado.
Doralice Gonçalves Lariucci
Mário Sérgio de Souza
Rosana Alves de Souza

Fauvismo

2009-05-16T10:19:00.000-07:00

Henri Matisse. A alegria de viver, 1905-06. Óleo sobre tela. 175 x 241 cm (69 1/8 x 94 7/8 in). Barnes Foundation, PA, Estados Unidos.

O movimento Fauve

O fauvismo é considerado uma vanguarda artística do início do século XX aliada à pintura, que tem como características a máxima expressão pictórica, onde as cores são utilizadas e estudadas com intensidade, e as formas simples. Os seus temas são leves, e sem intenção crítica, revelando apenas emoções e alegria de viver.
As cores são utilizadas puras, para delimitar planos, criar a perspectiva e modelar o volume. Louis Vauxcelles deu o nome ao movimento. Ele chamou alguns artistas de “Les Fauves”, que significa “As Feras”, em uma exposição em 1905, aonde havia a estátua convencional de um menino rodeada de pinturas nesse novo estilo.
Alguns princípios nortearam essa vanguarda:
• Criação artística não possui relação com o intelecto ou sentimentos.
• Criar é considerar os impulsos do instinto e das sensações primárias;
• Exaltação da cor pura.
Participaram do movimento fauvista os pintores: Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain e Othon Friesz; principais responsáveis pelo gosto do uso de cores puras, presentes no cotidiano atual, em objetos e peças de vestuário.

Henri Matisse. Harmonia em vermelho, 1908. Óleo sobre tela. 120x220 cm. Museu do Hermitage, São Petersburgo, Rússia.

O principal representante do movimento Fauvista foi Henri Matisse, que tinha por característica a despreocupação com o realismo, onde as coisas representadas eram menos importantes do que a forma de representá-las. Por exemplo, “Natureza morta com peixes vermelhos”, pintada em 1911, quando se observa que o importante são as cores puras e estendidas em grandes campos, essenciais para a organização da composição.
O fauvismo foi um movimento relativamente curto, durando entre 1898 e 1908, mas revolucionou o conceito de cor na arte moderna. Os fauvistas rejeitaram a paleta impressionista de cores suaves e cintilantes, em favor das cores violentas que já vinham sendo usadas pelos pós-impressionistas Paul Gauguin e Vincent Van Gogh, dando-lhes uma ênfase expressiva. Os artistas deste novo estilo aplicaram ao seu trabalho uma energia poética, através de linhas vigorosas, da simplificação dramática das formas e da aplicação de cores intensas.

Maurice de Vlaminck. Rebocadores sobre o Sena, 1906. Óleo sobre tela. 50,2 x 65,1 cm. Coleção de Sr. e Sra. John Hay Whitney.

Fauves (bestas selvagens) era um nome pejorativo, aplicado à revelia a um grupo de artistas, em sua primeira exibição pública, em 1905. Desse grupo participava, entre outros, André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz, e seu líder maior, Henri Matisse.
Tecnicamente, o uso da cor pelo fauvismo foi o resultado de experiências feitas por Matisse em Saint-Tropez, no verão de 1904, ao trabalhar com pintores neo-impressionistas, que aplicavam porções de tinta pura, uma ao lado da outra, na busca de uma imagem que fosse, no seu entender, mais real que a dos impressionistas.
A pintura neo-impressionista de Matisse, conquanto obedecendo estritamente às regras, se diferenciava por um forte interesse no lirismo das cores.
No verão de 1905, Matisse e Derain pintaram juntos "uma luz dourada que eliminou as trevas". Eles começaram usando cores complementares aplicadas em vigorosos lances, buscando algo mais que a luminosidade dos impressionistas, ao trazer uma visão deslumbrante do brilho do sol no Mediterrâneo.

Henri Matisse e André Derain, Uma luz dourada que eliminou as trevas, 1905.

Mais tarde, quando alguns colecionadores lhes mostraram algumas pinturas dos mares do Sul, feitas por Gauguin, eles viram confirmadas suas teorias sobre a subjetividade das cores reais e, a partir de então, o fauvismo passou a existir como um novo movimento nas artes plásticas. Matisse criou uma linha divisória na interpretação ótica da cor. O nariz de uma mulher poderia ser verde, desde que a alteração acrescentasse expressão à pintura. Matisse declarou: "Eu não pinto mulheres, eu pinto quadros."
Todos os pintores envolvidos na nova experiência seguiram caminhos personalizados. Em verdade, por volta de 1908, eles abandonaram sua fidelidade irrestrita ao maneirismo de uma escola qualquer. Ainda que adotando a prevalência da cor sobre a forma e sobre a luminosidade, cada um buscou uma interpretação própria, segundo sua concepção individual de arte.
No Brasil não houve representante legítimo do fauvismo. O pintor Artur Timóteo da Costa (1882-1923) estivera em Paris em 1907 e 1908 pode ter sentido o impacto dos fauves e, talvez por isso, suas últimas obras tinham o predomínio emocional da cor. Nas pinturas de Navarro da Costa (1883-1931) também era possível encontrar tênues lampejos fauves. No entanto a obra do mineiro Inimá José de Paula (1918-1999) é a que apresentou características nitidamente fauvistas.

Henri Matisse. Madame Matisse, 1905. Óleo sobre tela. 40.5 x 32.5 cm (15 7/8 x127/8in). Museu Real de Belas Artes, Copenhagen, Dinamarca.

André Derain, O porto de Londres,1906. 65,7 X 99,1 cm. Tate Gallery, Londres, Inglaterra.

Maurice de Vlaminck. Coletores de batatas, 1905. Óleo sobre tela. 54 x 57 cm. Fundação Merzbachers Artes, Kusnacht, Suíça.

Bibliografia:
http://www.brasilescola.com/artes/fauvismo.htm
http://www.pitoresco.com.br/espelho/valeapena/fauvismo/fauvismo.htm
http://www.esfcastro.pt:8079/users/franciscosilva/Fauvismo.html
http://www.geocities.com/CapeCanaveral/2933/fauves/fvvmd.htm

Artes Plásticas
Ana Carolina Almeida de Castro
Cristiane Fernanda de Jesus
Danielle Neres Lima
Eliane Apolinária Alves

Expressionismo I

2009-05-11T12:10:00.000-07:00

Karl Schmidt-Rottluff, Portrait of Emy, 1919, oleo sobre tela, 73.5 x 65.5 cm
Bequest of W. R. Valentiner, 65.10.58

Nascido na Alemanha no início do século XX, o Expressionismo foi um importante movimento artístico que surgiu, não em oposição às correntes Modernistas da época, mas no interior delas. Marcado por pinturas com grande apelo dramático, cores fortes, pinceladas marcantes, mensagens emocionalmente carregadas, o Expressionismo manifesta uma atitude, muitas vezes, agressiva do artista. Defende a expressão do irracional, dos impulsos, das paixões individuais, onde não há uma preocupação em relação à objetividade da expressão, mas sim, com a exteriorização da reflexão individual e subjetiva do artista indo além da tradição, dando mais importância a maneira do que ao tema.
Dois grupos de artistas estão associados ao Expressionismo: o grupo Die Brücke (A Ponte) da cidade de Dresden e o grupo Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul) de Munique. Separados por sua geografia, na França houve o movimento afim chamado Fauve associado a Matisse, Derain e Vlaminck entre outros, que influenciou sobremaneira o trabalho dos alemães. Enquanto o francês era mais sentimental, o alemão era mais dramático, interior.

Ernst Ludwig Kirchner, Four Bathers, 1910, oleo sobre tela, 75x100 cm, Von der Heydt Museum, Wuppertal.

O grupo Die Brücke, era formado por arquitetos que transferiram seus projetos para as artes. Não tinham nenhuma teoria, mas buscavam o mesmo vigor que a arte alemã tinha antes do Renascimento. O espírito condutor da Die Brücke, queria que a arte alemã fosse uma ponte para desenvolvimento da arte na sua relação com a vida moderna. Tinham grandes inspirações na arte africana e em outras artes primitivas. Seu desejo era atingir, com energia e virilidade, um público que não respondia ao academicismo. Transmitiam, através de cores estridentes, a idéia de um mundo hostil e alienante. Muitos nomes se destacam neste grupo, Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) e Fritz Bleyl (1880-1966). Outros artistas se juntaram a este grupo como Emil Nolde (1867-1956) que permaneceu por pouco tempo sendo considerado o mais vigoroso entre eles. O grupo muda-se para Berlim em 1911 fazendo da cidade o centro da vida artística da Alemanha. Este grupo foi dissolvido em 1913.

Franz Marc: The Litle Blue Horses, 1911, oleo sobre tela, 61,5x101 cm, Staatsgalerie, Stuttgart.

Já o Der Blaue Reiter, grupo cuja sede era Munique, promovia exposições e editava um almanaque com o mesmo nome por volta de 1912. Seus editores eram Vassily Kandinsky e Franz Marc e junto com eles, formando o grupo Cavaleiro Azul, estavam Macke, Javlensky, Klee, Gabriele Münter e Mariane Von Werefkin. A revista se dedicava a publicar artigos que tentavam explicar suas próprias atitudes e alguns trabalhos semelhantes em outros lugares de mundo, além de ilustrações que davam panorama da arte primitiva e de outros povos do Oriente. Kandinsky (1866-1944) chegou a Munique, vindo de Paris em 1896, cheio das influencias do Fauvismo e do filósofo Henri Bergson. Sob essas influencias, Kandinsky escreve Do espiritual na arte, onde tentou ligar a matéria visual da arte à vida interior do homem. Com o tempo reduziu o naturalismo de suas telas, não abandonando totalmente os indícios de figuração, mas dando muito mais ênfase na sua expressividade com pinceladas intensas e cores brilhantes. Marc se inspirava nos animais, aos quais pintava continuamente, primeiramente de forma impressionista e depois, sob a influencia de Delaunay, dentro de uma estrutura geométrica.
Mais ou menos nessa mesma época (1912) Herwarth Walden edita uma revista que foi um importante veículo de divulgação do Expressionismo, o Der Sturm (A Tempestade), além de fundar uma galeria com o mesmo nome. Ele foi o primeiro a expor Arte Moderna de Dresden, Berlim e Munique. Divulgou nomes importantes como do austríaco Oskar Kokoschka, do belga Ensor além de Segal e outros.
Em 1915, com a eclosão da I Grande Guerra, alguns artistas perderam as suas vidas enquanto outros assumiam novas posturas perante a arte, retornando a confortáveis tradições estéticas ou usando a sua arte como meio de protesto. Após a guerra, a arte alemã toma novos rumos e é agrupada sob os rótulos do Dadá ou Nova Objetividade.

Wassily Kandinsky, Composition VI, 1913, oleo sobre tela, 195x130 cm, Hermitage, St Petersburg.

Mesmo após alguns anos, o Expressionismo continuou a influenciar outros artistas Na década de 40, surge em Nova York o Expressionismo Abstrato, protagonizado por pintores como Pollock, Willen De Kooning e Rothko. Aqui os estilos eram bem variados e buscavam a liberação dos padrões estéticos que até então dominavam a arte norte-americana. Na América Latina, o movimento manifestou-se como uma via de protesto político, sendo marcante na literatura, cinema e teatro. No Brasil, o movimento encontrou sua máxima representação através da pintura, especialmente por meio de artistas como Anita Malfatti, Lasar Segall , Osvaldo Goeldi e Candido Portinari, que mostra em suas telas a migração do povo nordestino para as grandes cidades. As peças teatrais de Nélson Rodrigues também apresentam significativas características do expressionismo.
Então podemos concluir que o Expressionismo, foi uma vanguarda de extrema importância na evolução da arte e da sociedade. Principalmente porque superou o comum com uma linguagem própria, permitindo a comunicação das emoções e a reflexão da imagem da sociedade alemã e pelo mundo afora, pela qual se fez possível a recriação de valores.

Licenciatura em Artes Visuais
Hélia Barbosa de Meneses
Solange da Silveira Azevedo Reolon.

Expressionismo II

2009-05-11T11:07:00.000-07:00

Erich Heckel. Young Man, 1917. Xilogravura. Harris Schrank Fine Prints .

Uma certa corrente artística pretende impressionar-nos através de gestos visuais que transmitem e talvez libertem emoções ou mensagens emocionalmente carregadas. Tal arte é expressionista. A uma considerável parcela da arte do século XX foi conferido o rótulo “expressionismo”, especialmente na Europa Central.
De acordo com Nobert Lynton (p. 24, 1995) nunca houve um movimento ou grupo que se anunciasse como “expressionista”. O termo expressionismo foi rotulado bem mais tarde por volta de 1911 durante a exposição “Secessão de Berlim“ que incluiu uma galeria de trabalhos designados como sendo da autoria da Expressionnisten. A idéia era aplicar esse termo a todos aqueles artista anti-impressionista que se importavam muito mais com a subjetividade do que com a objetividade. O expressionismo nasceu na Alemanha porém tornou-se uma tendência supranacional.

Franz Marc. Três Gatos, 1913. Óleo sobre tela. 72 x 102 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf.

Um dos fatores determinantes para o seu surgimento foi a criação de dois grupos informais de artistas. O Die Brucke (A ponte) em 1905, na cidade de Dresden, que foi fechado e depois fundado oficialmente em 1910, através da revista “A Tempestade”, e os artistas de Munique que expunham sob a égide de um almanaque intitulado Der Blau Reiter (O Cavaleiro Azul), do qual só veio a ser publicado apenas um número em 1912.

Emil Nolde. Máscara Still Life III, 1911. Óleo sobre tela.74x78 cm. Nelson Galeria de Arte, Atkins-Museum, Kansas City

A visão expressionista encontra suas fontes na defesa à expressão do irracional, dos impulsos e das paixões individuais. No expressionismo, não há uma preocupação em relação à objetividade da expressão, mas sim com a exteriorização da reflexão individual e subjetiva dos artistas. Em outras palavras, não se pretende simplesmente absorver o mundo e reproduzi-lo, mas recriá-lo. Entre suas características podemos citar: o distanciamento da figuratividade, o uso de traços e cores fortes, a imitação das artes primitivas, etc.

George Grosz. Suicídio, 1916. Óleo sobre tela. 100 x 77,6 cm. Tate Gallery, Londres, Reino Unido.

O expressionismo floresceu de forma especialmente abundante na Alemanha moderna. O movimento Sturm und Drang do final do século XVIII tinha sido uma tentativa pioneira de quebrar a influência da cultura mediterrânea sobre o povo nórdico e o expressionismo alemão do início do século XX estava impregnado de suas idéias e literatura. As alianças do mundo oficial na Alemanha deram ao expressionismo o caráter político e de protesto, entretanto apenas um número surpreendentemente pequeno das obras tidas como expressionistas reflete proposições de natureza política.

Vicent Van Gogh. Auto-retrato com Straw Hat, 1887. Óleo sobre tela no painel. The Detroit Institute of Arts, Detroit, USA.

O principal precursor deste movimento foi o pintor holandês Vincent Van Gogh que com seu estilo único já manifestava através de sua arte os primeiros sinais do expressionismo. Ele serviu como fonte de inspiração para os pintores: Erich Heckel, Franz Marc, Paul Klee, George Grosz, Emil Nolde, entre outros.

Edvard Munch. A criança doente, 1885-86. Óleo sobre tela. 119,5 x 118,5 cm. Nasjonalgalleriet, Oslo, Noruega.

Munch foi um dos primeiros artistas do século XX que conseguiu conceder às cores um valor simbólico e subjetivo, longe das representações realistas. Seus quadros exerceram grande influência nos artistas do grupo Die Brücke, que conheciam e admiravam sua obra. Pintor norueguês cujos quadros e obras gráficas tristes e angustiantes baseadas em suas obsessões e frustrações pessoais abriram o caminho para o desenvolvimento do expressionismo. A sua obra mais conhecida é “O grito” (1893) que, junto com “Criança doente” (1881-1886), refletem o trauma que sofreu em sua infância quando sua mãe e irmã morreram. Esta obra é um exemplo dos temas que sensibilizam os artistas ligados a essa tendência.

Ernst Ludwig Kirchner. Auto Retrato com o Modelo, 1910 -1926. Óleo sobre tela. 150,4 x 100 cm. Kunsthalle, Hamburg.

Kirchner foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. Influenciado pelo cubismo e fauvismo o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos com o fim de manifestar sua verdadeira visão da realidade. Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden, Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluff em Berlim, com os quais, motivados pela leitura de Nietzsche, fundou o grupo Die Brücke (numa referência à frase do escritor “...a ponte que conduz ao super-homem”). Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus, bem como cenas circenses e de variedades.

Paul Klee. Senecio, 1922. Óleo sobre gaze. 40,5 x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, na Suíça.

Paul Klee é considerado um dos artistas mais originais das tendências expressionistas. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza, este pintor dedicou-se durante toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito. A exemplo de Kandinsky, Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. Depois de uma viagem pela Itália, entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter.

Lasar Segall. Mãe Morta, 1940. Óleo sobre tela.

No Brasil também não se verificou um movimento expressionista, mas uma presença estável e marcante especialmente na pintura. Entre os artistas que se destacaram nessa tendência temos Anita Malfatti, Lasar Segall, De Fiori, Flávio de Carvalho, Portinari e Oswaldo Goeldi. Nesses artistas o que se torna mais evidente a partir das influências alemãs são o “tocante ao patético, o cromatismo violento, a sensibilidade social e um tipo de desfiguração agressiva“ (p. 11, 1997).

Referências bibliográficas
DANTAS, Tiago. Expressionismo. Disponível em:. Acesso em: 20 abril 2009.
Expressionismo. Disponível em: . Acesso em: 20 abril 2009.
Expressionismo nas artes plásticas. Disponível em:. Acesso em: 20 abril 2009.
GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: LTC.
História da arte expressionista. Disponível em: . Acesso em: 20 abril 2009.
LYNTON, Norbert. Expressionismo. In: STANGOS, Nikos (org.). Conceitos da arte moderna. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1995. p. 24-37.
Mestres do expressionismo no Brasil – Coleção do MASP. São Paulo: Lemos, 1997.

Artes Plásticas bacharelado / 5º período
Bárbara Lopes
Laiz Galvão
Renata Siquieroli
Tatianny Leão Coimbra

O cubismo

2009-05-09T10:28:00.001-07:00

Pablo Picasso, L'Amitie, 1907, 71×99 cm,óleo sobre tela, Museu Hermitage.

O movimento cubista começou em 1907 e terminou em 1914, tendo persistido ainda quando os artistas envolvidos abandonaram-no. Apesar de ser considerado um ato de percepção individual, o movimento possuía coerência. Foi um dos principais pontos de mutação da arte do século XX. Foi inspirado na arte africana e no princípio de "realização do motivo" de Cézanne.

Paul Cézanne, Jogadores de Cartas, óleo sobre tela, 1890-1895 – 47,5 x 57 cm. Louvre,Paris.

O estilo recebeu esse nome a partir do desdém de Matisse ao ver uma obra de Georges Braque e dizer que ali não havia nada além de “cubinhos”. Embora os verdadeiros cubistas – Picasso, Braque, Gris e Léger – quebrassem os objetos em pedaços que não eram propriamente cubos, o nome pegou.
O Cubismo liberou a arte ao estabelecer, nas palavras de Léger, que “a arte consiste em inventar, e não em copiar”.
Por isso, esse movimento artístico teve como principal característica, a utilização de formas geométricas. Baseou-se essencialmente na luz e na sombra e rompeu com a perspectiva.

Pablo Picasso (Málaga, 25 de outubro de 1881 — Mougins, 8 de abril de 1973) Durante meio século, Picasso liderou as forças da inovação artística, escandalizando o mundo com a introdução de um novo estilo e seguindo adiante tão logo sua inortodoxia era aceita. Sua contribuiçaõ mais significativa – com a ajuda de Braque – foi a invenção do Cubismo. Ele definiu o movimento cubista como "uma arte que trata primordialmente de formas, e quando uma forma é realizada, ela aí está para viver sua própria vida".

Georges Braque (Argenteuil, 1882 - Paris, 1963). Iniciador do cubismo, juntamente com Picasso. Valorizou as cores de matizes frios como o ocre, o marrom e bege. Mas, a partir de 1910 Braque abandonou por um período, essa objetividade e passou a utilizar os “papiers collés”, títulos de jornais e outros elementos, que juntamente com Picasso, deram início ao “collage”, cuja intenção era dar a impressão da presença real do objeto.

Robert Delaunay (Paris, 1885 – Montpellier, 1941). A seu ver, o quadro devia ser uma organização rítmica baseada numa seleção de planos coloridos.

Robert Delaunay, Torre Eiffel (1910)óleo sobre tela, 202 x 138.4 cm, Museu Guggenheim, Nova York.

Juan Gris (Madri, 1887 – Boulogne-sur-Seine, 1927). Fixado em Paris em 1906, tomou parte das primeiras manifestações do cubismo, que praticou com austeridade. Deu à cor um caráter simbólico.

Pablo Picasso, Usine a horta de Ebbo, 1909, óleo sobre tela, Museu Hermitage.

Geralmente são citadas três fases do Cubismo. Mas, esses termos não são considerados adequados, uma vez que se baseiam em conceitos falhos e tentam estabelecer grandes diferenças estéticas dentro de um estilo em processo de definição e evolução.

I – Cubismo Cezaneano: foi mais um manifesto com o intuito de simplificar as formas estruturando os objetos. A poderosa sensação de volume, peso, corpo e espaço, compensavam as perdas. A abstração predomina no fundo, assim como, o amarelo e sombreados laranja-escuro. A maior fonte de inspiração do Cubismo foi Cézanne, que inventou sua própria fusão do real e do abstrato. Cézanne introduziu nas suas obras, distorções formais, para ressaltar o volume e peso dos objetos. Concebeu a cor de um modo sem precedentes, definindo diferentes volumes que foram essenciais para suas composições únicas. Cézanne dizia: “Reproduza a natureza em termos do cilindro, da esfera, do cone”.

Paul Cézanne, Monte Santa Vitória (1902-04) óleo sobre tela, 69.8 x 89.5 cm Museu de arte da Philadelphia.

II – Cubismo Analítico: essa fase do Cubismo é uma fase evoluída do Cubismo Cézanniano. Apareceu depois da junção do trabalho desenvolvido separadamente por Pablo Picasso e Georges Braque. Foi chamada analítica porque analisava as formas dos objetos, partindo-os em fragmentos e espalhando-os pela tela. O objeto é de tal forma distorcido que quase tende para a abstração, ficando no limite do perceptível e do abstracto. As cores são pobres e sombrias, uma vez que a intenção era analisar as formas sem a distração das cores. Todavia, com a libertação do figurativo, a criatividade prolifera-se no meio.

Georges Braque, Mulher com guitarra, 1913, óleo sobre tela, 130x73cm, Museu Nacional de Arte Moderna, Centro Georges Pompidou, Paris.

III – Cubismo Sintético: caracteriza-se pela diminuição da decomposição da forma e restabelece-se o dualismo da figura e do fundo. Predominam as formas arredondadas em vez das angulosas. O sentimento das cores reaparece com caráter decorativo. Toda a superfície da tela é dividida geometricamente, em áreas coloridas, nos padrões renascentistas.

Juan Gris, Homem no Cafe, 1914, oléo e colagem sobre tela, 99 x 72 cm Acquavella Galeria, Nova York.

A qualidade provocativa de toda a arte cubista deriva de sua ambivalência entre a representação e a abstração. No limite da dissolução do objeto em suas partes componentes, as alusões ao mesmo oscilam dentro e fora da consciência.
O fim do movimento cubista deve-se à eclosão da Primeira Guerra Mundial, em agosto de 1914. Com efeito, uma boa parte dos artistas desse movimento foi recrutada e partiu para o campo de batalha, extinguindo o Cubismo, enquanto movimento.
Todavia, o estilo permaneceu vivo nas mãos de outros pintores, exercendo forte influência sobre a arte moderna como um todo, inspirando movimentos como o futurismo, o Orfismo, o Purismo e o Vorticismo.

Carlo Carrá, Funeral do anarquista Galli,1910-1911, óleo sobre tela198.7 x 259.1 cm,Museu de Arte Moderna, Nova York.

BIBLIOGRAFIA

Battistoni Filho, Duílio, 1937-; Pequena história da arte, 3 edição-Campinas: Papirus, 1989.
Woodford, Susan; A arte de ver a arte, São Paulo: Círculo do Livro,1983.
Strickland,Carol, Arte comentada da pré-história ao pós-moderno, 3a edição, Ediouro.
http://www.pitoresco.com/art_data/cubismo/index.htm, em 01/04/09 às 15:29hs. (que retirou as informações de: Enciclopédia Digital Master; Enciclopédia Koogan-Houaiss e Enciclopédia Art-Digital)
http://pt.wikipedia.org/wiki/Georges_Braque, em 05/05/2009 às 20:00hs.

Alice Gomes
Camila Van der Laan
Ludimila Nunes
Raquel Rocha

O FUTURISMO

2009-04-28T07:39:00.000-07:00

Umberto Boccione. Formas Únicas na Continuidade do Espaço,homem a Caminhar,1913. Escultura em bronze. Museu de Arte Contemporânea, São Paulo.

O Futurismo foi o primeiro movimento artístico realmente de vanguarda, partindo de uma idéia geral radical de subversão de todas as tradições, valores e instituições do seu tempo e exaltação do dinamismo, da eletricidade e da velocidade. Fundamentalmente ideológica, encontrou sua expressão artística com dificuldade, tendo sido subestimada em sua influência e importância. Mas suas idéias permearam muitos dos movimentos posteriores, pela ousada experimentação estilística e técnica: o vorticismo, algumas formas de expressionismo e mesmo o cubismo, e a arquitetura, a escultura, a tipografia e pintura da Alemanha, França, Holanda e, principalmente, da Rússia. No início do século XX, o mundo assistia à segunda revolução industrial, covivendo cotidianamente com maquinários tecnológicos, a iluminação elétrica e, por fim, com o automóvel. A Europa fervia com as transformações artísticas anteriores dos impressionistas e diversos pós-impressionistas. Apesar de toda a tradição cultural de Itália, de seu passado clássico e renascentista, os italianos não participaram ou contribuíram para essa efervescência, apenas tomando conhecimento de cada nova inovação. Sob supervisão do poeta Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), outros três pintores, Umberto Boccioni (1882-1916), Luigi Russolo (1885-1947) e Carlo Carrá (1881-1966) redigiram e Boccioni declamou no Teatro Chiarella, em Turim, a 8 de março de 1910, o Manifesto dos pintores futuristas, denunciando as vinculações das artes com o passado e exigindo uma nova arte para o mundo. "Que a ciência de hoje negue o seu passado, isto corresponde às necessidades materiais do nosso tempo. Do mesmo modo, a arte, negando o seu passado, deve corresponder às necessidades intelectuais do nosso tempo." – Manifesto técnico da pintura futurista, Boccioni, 1919.

Giácomo Balla.Lâmpada,1909. Óleo sobre tela. 174.7 x 114.7 cm. Museu de Arte Moderna, Nova Iorque.

Apesar da ousadia de pretensão conceituais, a pintura dos futuristas era comedida e sóbria, experimetando a percepção da luminosidade elétrica através o divisionismo cromático dos impressionistas mas sem qualquer inovação significativa. Juntou-se a eles os pintores Gino Severini (1883-1965) e Giácomo Balla (1871-1958). Boccioni intentou buscar as formas impermanentes na pintura, em semelhança às luzes dos holofotes, dos gases coloridos. Paralelamente, os temas urbanos e de violência (brigas, funerais, movimentos, etc.) eram permanentes. Essa violência e gosto pelo escândalo permeava também suas vidas pessoais, como na maneira como as críticas de Ardengo Soffici às telas futuristas foram respondidas com agressão física. Em 1911, por influência de Severini, que chegou de um período passado em Paris, organizou-se uma excursão de 15 dias para conhecer uma maneira nova de pintar que ocorria nessa cidade, o cubismo. Severini levou Boccioni, Russolo e Carrá aos ateliês de pintores, em Paris, entre os quais Picasso e Braque, bem como a diversas galerias. Voltando a Milão, acrescentaram a fragmentação formal aprendida em Paris aos seus métodos anteriores, repintaram seus quadros na nova estética e organizaram uma exposição com 35 telas na Galeria Bernheim-Jeunne, em Paris, com a designação de pintura futurista, em 5 de fevereiro de 1912. A exposição percorreu a Europa (Londres, Berlim, Bruxelas, Amsterdam, Haia, Munique, Viena, Budapeste, Frankfurt, Breslau, Zurique e Dresden), sempre acompanhada de publicações e conferências de grande sucesso. O ideário futurista se desdobrou em manifestações nos mais variados campos, no feminismo, na política, na literatura, na música, etc., em diversos países. Em 1913, o crítico e poeta de vanguarda Guillaume Apollinaire escreveu o ensaio "A anti-tradição futurista", na revista Lacerba, sobre as idéias futuristas, as possibilidades de renovação do mundo cultural e uma lista de personalidades artísticas que incluía, além dos futuristas, Kandinsky, Delaunay, Matisse e Picasso.

Umberto Boccioni. Ruídos da rua invadem a casa,1911. Óleo sobre tela.100x107.

Essa generalização é capciosa, pois havia uma grande variação de interesses entre os futuristas, e haviam muitas contradições internas. Se tinham em comum a audácia na proposição de uma nova arte que questionasse, não apenas valores tradicionais artísticos, mas as ambições estéticas da arte de vanguarda, a exaltação do crescimento tecnológico, a possibilidade de captar o dinamismo no estático, cada artista tinha, também, suas afinidades particulares, como a tendência à abstração de Balla, em oposição à maior proximidade com o cubismo de Carrá, Russolo explora símbolos de movimento e energia,em sua pintura, e desenvolveu máquinas geradoras de ruído, compondo, com elas, peças musicais. Boccioni inseriu força épica aos temas característicos do futurismo, cenas urbanas noturnas, cheias de luz elétrica, movimento mecânico, ruídos. Suas esculturas revolucionam com a inserção de materiais como o vidro, a madeira, o ferro, o couro, espelho, luz elétrica, etc., desejando libertá-la de uma sensação de asfixia. Em 1914, Antonio Sant'Elia, no Manifesto da arquitetura futurista propõe sua "Nova Cidade", uma metrópole construída com novos materiais e estruturas, visando a necessidade de transporte rápido das novas concentrações populacionais. É uma arquitetura elástica e leve, de concreto e ferro, vidro e têxteis, que rejeita a tradição da madeira, do tijolo e da pedra. Os ideais extremos do futurismo, como tantas outras possibilidades, foram atropelados pela Primeira Guerra Mundial, que ceifou algumas vidas e outras tantas expectativas, aproximando opositores e diluindo seu vigor. Mas essa ousadia marcou e se infiltrou nos mais diversos assuntos, posteriormente, modificando o modo de ver o mundo na modernidade.

Adriana Moura Rufino Célia Mari Gondo Passos Reijane Olimpia Cunha. Licenciatura em Artes Visuais.

Referências: Argan, Giulio Carlo - Arte Moderna Stangos, Nikos - Conceitos da Arte Moderna
http://chuva-bomtempo.blogspot.com/2009/02/futurismo-3.html www.artlex.com/ArtLex/f/futurism.html
oglobo.globo.com/pais/noblat/post.asp?t=pintu...

MODERNO, MODERNIDADE, E ARTE MODERNA.

2009-04-03T06:24:00.000-07:00

O Moderno

2009-04-03T05:29:00.000-07:00

Conceito de Modernidade:

2009-04-03T05:17:00.000-07:00

Arte Moderna

2009-04-03T04:52:00.000-07:00